1976 2112

La historia de Rush comienza hace más de cuarenta años en Canadá donde la banda comenzó a tocar, Geddy Lee y Alex Lifeson eran amigos de la infancia y decidieron formar una banda junto con John Rustey, este último fungía como baterista de la banda sin embargo nunca tuvo los mismos gustos de la banda y fue despedido al poco tiempo, llegando a grabar únicamente el álbum debut de la banda Rush, no tardarían en reemplazarlo con el increíble Neil Peart, el cual le daría un giro de 180 grados a la banda

Conservarían solo la parte intensa y Hard Rockera de la banda pero se dirigirían a un ambiente mas influenciado por el Rock Progresivo en donde Neil aprovecharía su capacidad de letrista y añadiría conceptualización a sus álbums, esto pasa con Fly By Night y con Caress of Steel, sin embargo el disco responsable de llevarlos a la cima tanto comercial como de calidad musical fue este, un disco que tiene dos partes: la primera con una suite de mas de veinte minutos de duración y la segunda con cinco temas que nada tienen que ver con el resto del concepto, estos son los elementos que lo hacen un álbum único, haciéndonos comprender porque una banda como Rush tiene tantos fanáticos.

El disco comienza con "2112" dividida en siete partes que cuenta la historia de una federación galáctica formada por varios planetas en el futuro que pierde su identidad como nación y de cómo un hombre encuentra una guitarra que puede salvarlos de su libertad; "I:Overture" es la introducción a la historia que va de un canal a otro y cuenta con miles de redobles de la batería de Neil Peart y también una referencia guitarrera a Tchaikovsky, "II: The Temples of Syrinx" es la parte donde el pueblo nos cuenta su modus vivendi y como los sacerdotes gobiernan la federación, “III: Discovery” es precisamente el dulce momento en el que el hombre encuentra la guitarra escondida en una cueva y comienza a tocarla dándose cuenta de lo valiosa que es, “IV: Presentation” el momento en el que el hombre intenta presentarles a los sacerdotes su descubrimiento mientras ellos vociferan en contra de él tachándolo de hereje o algo por el estilo, y es como llega un solo de guitarra que nos conduce a “V: Oracle: The Dream” donde a este protanista se le revela como vivían sus ancestros antes de que la vida estuviese controlada por los sacerdotes, este regresa a la cueva en “VI: Soliloquy” donde acaba con su vida en su desesperación por la fría vida que se vive en la federación, otro solo de guitarra nos lleva a “VII: Grand Finale” donde nos damos cuenta que una guerra ha explotado y la federación ha llegado a ser controlada por otros seres interestelares al parecer mas poderosos y avanzados.

Llega el segundo lado del álbum con “Passage To Bangkok” y ese riff oriental, tema que hace referencia al consumo de drogas así como la visita que la banda añoraba por hacer a algunos países, antes del solo de guitarra se puede escuchar como si alguien esnifara cocaína, “Twilight Zone” es otro de los grandes temas de la banda ya que habla de una serie del mismo nombre que divagaba en temas de ciencia-ficción, el tema tiene un ambiente sumamente oscuro del cual son responsables las guitarras y una voz en eco que susurra el coro cantado por Geddy Lee, “Lessons” es un tema donde Alex Lifeson intenta hacerla de letrista y donde su guitarra nos brinda muy buenos ratos, el turno es de Geddy cuando compone “Tears” un tema tranquilo que incluye un melotrón, el disco termina entonces con “Something For Nothing” un tema que vuelve a la intensidad de la banda y nos cuenta como es imposible obtener libertad de manera gratis, retroalimentando entonces la temática con la cuál el disco comenzó y es como llegamos a comprender la crudeza de la vida del ser humano que al parecer tendrá el mismo problema de identidad sin importar el paso de los años.

1976 Rising

Insatisfecho con la formación anterior, Ritchie Blackmore decide hacer un cambio radical en Rainbow, conservando solo a Ronnie James Dio recluta a Tony Carey en los teclados, Jimmy Bain en el bajo y en la batería al asombroso Cozy Powell que anteriormente había trabajado con Jeff Beck y otros músicos de renombre, este hombre seria la pieza fundamental que haría del sonido de Rainbow un sonido original y nada anticuado. 

Saldría entonces a la venta este álbum: Rising, que era digno de considerarse un álbum elaborado de buena forma o como decimos aquí en México: con huevos. El álbum nos presenta tan solo 6 canciones pero sin duda la mítica portada nos garantiza que este sera un álbum que nos pondrá a Rockear, ademas de que aquí la banda enfoca su sonido un poco mas al Heavy Metal.

 

Iniciamos el viaje con la misteriosa ''Tarot Woman'' que tiene una intro psicodélica con teclados donde mas tarde la batería irrumpe para mostrarnos una auténtica rola Hard Rockera, luego nos vamos con ''Run with the Wolf'' que contiene riffs y solos espeluznantes dignos de ser hechos por Ritchie Blackmore, en  ''Starstruck'' es donde Powell nos muestra una de sus mejores interpretaciones en la batería y que también nos muestra lo que Jimmy Bain era capaz de hacer en el bajo.

''Do You Close Your Eyes'' es para mi es la única que puede pasar desapercibida aunque tiene buen ritmo, ''Stargazer'' en mi opinión es el mejor tema de Rainbow, en este colabora la Orquesta Filarmónica de Munich que le da ese toque sinfónico y dramático que tanto caracteriza a la canción donde el director de orquesta parece ser Cozy Powell con el ritmo de su batería, por último tenemos la enérgica ''A Light in the Black'' que contiene una sección donde podemos escuchar a todos los instrumentos haciendo de las suyas y a Ronnie James Dio gritando las lineas 'Im Coming Home', tal como lo hizo hace unos años, ha regresado a casa...

Pa Dominguear #6: Pink Floyd live at Pompeii

Después de varios días de ausencia y puesto que la semana pasada fue el cumpleaños número 70 de Mr. Roger Waters (conocido en mi país como Rogelio Aguas) y curiosamente hoy se cumplen 5 años de la muerte de Richard Wright creo que es justo que el día de hoy les recomiende un concierto altamente deleitable, perfecto para un Domingo nublado que se convertirá en una fiesta patria en la noche (algo hipócrita, sobra decirlo) pero en fin este concierto que les voy a compartir el día de hoy ocurrió hace mas de 40 años cuando Waters era todavía un chavito (ni tan chavo, ya hacía de las suyas en la producción).

Este concierto consiste en dos elementos simples: un anfiteatro romano desolado a las faldas del volcán Vesubio ubicado en la legendaria ciudad de Pompeya y la música de Pink Floyd; es en verdad todo un reto al que se enfrentaron los cuatro músicos al tocar un concierto frente a una audiencia completamente ausente, ausentes de aplausos o vítores que los ayudaran a motivarse, pero ese era precisamente el efecto que buscaba la banda: aprovechar la acústica del lugar y convertirla en un eco infinito de su propia música. 

las canciones de la banda no son de las mas conocidas (excepto quizá "Echoes") pero no cabe duda que no es necesario que las conozcamos ya que la banda se encarga de meternos de fondo a las seis canciones que fueron presentadas en la versión final de la película, en esta ocasión les comparto la versión del director que fue editada con proyecciones visuales que hacen bastante ameno el viaje las cuales incluyen pasajes por las ruinas de Pompeya, el volcán Vesubio en actividad, y una que otra imagen interestelar, pero sin mas dimes y diretes los dejo con hora y media de golosinas sonoras y visuales. 

Rock Clásico de la A a la Z: D de Deep Purple

Hablemos el dia de hoy de una de las bandas mas menospreciadas del Rock, y es que cuando oimos hablar de Deep Purple siempre nos imaginamos que lo mejor de ellos es "Smoke On The Water" y no es por nada pero eso de lo mas simple que hizo la banda; hablamos de que son una banda conocida por sus multiples cambios de formación denominados Mark, la formación mas conocida de la cual les hablaré el día de hoy (y en mi opinion la mejor) es la Mark II que tenia en sus filas a 5 musicos espléndidos: Ian Paice en la batería, Ritchie Blackmore en la guitarra, Jon Lord en los teclados, Roger Glover en el bajo y Ian Gillan en las voces; uno de los mejores ejemplos de la virtuosidad de sus miembros se encuentra en "Highway Star" uno de sus temas mas conocidos.

Es Machine Head quizá su disco mejor elaborado y con mayor calidad musical, mismo que contiene un tema que comienza con un intro instrumental de mas de 4 minutos de duración, el riff de este tema esta inspirado en la manera de tocar de Eric Clapton cuando pertenecía a la banda de John Mayall, el nombre de la rola es "Lazy" y, contrario a lo que dice su nombre, nunca peca de flojo.

Pero dejemos de lado por un momento ese disco y recordemos el único disco en vivo que grabo esa formación Made In Japan; Japón siempre ha sido uno de los países con mas adeptos del Metal en general, los responsables de esta fama son precisamente Deep Purple, el disco en vivo que grabaron contiene una versión de 20 minutos de duración de su tema "Space Truckin".

Y continuando con las presentaciones en vivo de la banda en esa época tenemos un tema que demuestra una vez mas la habilidad de todos sus miembros haciendo énfasis en alto rango vocal y el tremendo solo de guitarra, "Child In Time" es el nombre de un tema que habla sobre la guerra de Vietnam.

Este tema esta contenido en el primer disco de la formación: In Rock, en cuya portada están retratados los cinco miembros como si su cabeza hubiera sido tallada en el Monte Rushmore, este disco abre con "Speed King" con un intro espeluznante, un tema en honor a Little Richard, Chuck Berry y Elvis Presley, al parecer grandes influencias de la banda.

Rock Clásico de la A a la Z: C de Creedence Clearwater Revival

Otra de las bandas clásicas que deben revisarse por obligación son los padres del Rock Sureño, créanlo o no los Creedence lo son, esos cuatro chicos Californianos que venían a ofrecer algo distinto en el Rock, después de que en sus inicios la banda se dedicara a hacer covers de los Beatles y tener un estilo muy parecido al Garage Rock que se estaba haciendo en Inglaterra la banda decide hacer música un poco mas diferente a partir de su segundo álbum Bayou Country y es como la leyenda comienza, a pesar de tener una poca exitosa presentación en Woodstock en 1969 la crítica les pondría los ojos encima y los aclamaría como una de las mejores bandas de le época.

Si por algo se destacaba Creedence es porque era una banda que se divertía haciendo covers, especialmente covers de leyendas del Rock N Roll o el Blues, uno de sus mas conocidos y mejor ejecutados es el que hicieron a un tema de Little Richard y que incluyeron también en su segundo álbum en donde John Fogerty demuestra la potencia de su voz.

Otra de las características mas acentuadas de la banda es el impresionante control que tenían los cuatro miembros del ritmo de sus instrumentos a la hora de tocarlos en vivo, cosa que a algunas bandas no les importaba mucho, en definitiva una de las mejores muestras es el último tema de este segundo álbum del cual tanto les he hablado y en donde Doug Clifford hace de las suyas en la batería.

Ya para no sonar tan repetitivo con el segundo disco les dejaré un clásico de su cuarto álbum de estudio, Willy and The Poorboys que fuera el último de la trilogía en ser lanzado en 1969, y que cuenta con muy buenos temas en este en especial destaca el bajo de Stu Cook. 

Por último les dejaré uno de mis temas favoritos de la banda que también era un cover y que transformaron en toda una versión psicodélica y con muy buenos riffs de guitarra; la versión que les dejo es interpretada por John que se negara a regresar a la banda después de la muerte de su hermano Tom Fogerty, en este video viene también incluido otro tema de su disco debut.

1973 Pronounced 'lĕh-'nérd 'skin-'nérd

Lo que me parece increíble de esta foto es que los siete hombres que ven ahí sentados en la banqueta participaron en la elaboracion del disco del cual les hablare el día de hoy, y no solo estuvieron presentes en la grabación si no que cada uno le logra brindar un toque único a cada tema, yo diría que no hay tema en que alguna de las tres guitarras: Gary Rossington, Allen Collins y Ed King; el bajo de Leon Wilkenson; la bateria de Bob Burns; los teclados de Billy Powell; y por supuesto la voz del legendario Ronnie Van Zant no salgan a relucir, de principio a fin es un disco completisimo, el mas clasico de la banda, injustamente olvidado en su momento para ahora ser el que quizá sea el mas nombrado, y nadamas vean la lista de canciones, la mayoría son clásicos; la historia de esta banda se remonta a 1964 cuando Allen, Gary y Ronnie se conocieron en una secundaria de Florida y formaron su propia banda llamada en ese entonces The Noble Five, conocieron a un profesor de educacion fisica llamado Leonard Skinner, el cual era muy estricto con el corte de cabello de los alumnos, si el nombre les suena familiar es precisamente por que el futuro nombre de la banda pasaria a ser un tributo a el, fue hasta la siguiente decada cuando Al Kooper (ex- Blood, Sweat & Tears) los descubriría y cambiarían su nombre a Lynyrd Skynyrd para lanzar este su álbum debut, pero sin mas palabrería, hablemos de los 43 minutos y 3 segundos que dura el álbum.

Con un fuzz llega “I Ain’t The One”, con guitarras completamente rockanrolleras lideradas por Collins y un teclado que también hace de las suyas, el Country entra a nuestra alma con “Tuesday’s Gone” y es ahora Rossington quien toma el mando de la guitarra principal que es acompañada por el bajo y la batería, el mellotrón junto y todos los arreglos logran que el tema se vuelva nostálgico y nos transporte a ese triste martes que seguramente era tan cálido como la voz seca de Ronnie, “Gimme Three Steps” es sumamente divertida gracias al Rock N Rollero principio y esas congas tan bien ambientadas en el ritmo bailable y pegajoso, pasamos a otra de las grandes del álbum: “Simple Man” cuyos acordes del principio, el órgano y el paso lento de la batería son los elementos principales, por supuesto también esta esa explosión después del primer minuto y el sublime solo de guitarra, una letra excelente que nos hace recordar las lecciones que nuestros mayores nos repetían cuando éramos chicos, un tema de Rock Sureño por excelencia.

Vámonos al Viejo Oeste con “Things Goin' On” y a criticar la política como buen grupo de Rock, el teclado de Powell creo yo es el elemento que logra el ambiente de cantina y entonces yo me siento como si estuviera en alguna escena de la última entrega de la saga de películas Back To The Future, el bajo sale a relucir en ciertos momentos, entra la  mandolina que nos introduce a ''Mississipi Kid'' donde King toma la batuta y es la guitarra líder y nos demuestra que el tambien es capaz de hacer lo suyo en esta área con un slide tremendo, la voz de Van Zant no podría ser mas sureña excepto quizá en el siguiente tema: ''Poison Whiskey'', donde cerramos esta trilogía Country y se encuentra aquí el mejor solo de teclado del disco, que viene después del de la guitarra que también es espectacular, sin duda Billy resulta ser un maestro en este campo.

Llegamos al mítico y esperado final ''Freebird'', un tema donde la banda combina melodías pop con el Country Rock y logra fusionarlo en lo que ellos mismos saben hacer, el oír el órgano del principio y la batería despegar me pone chinita la piel pero lo que no puedo aguantar es oír el slide de la guitarra de Rossington, este usa una Gibson SG por única vez en toda la discografía de Lynyrd, la primera parte es totalmente lírica y melódica pero en la segunda parte los instrumentos explotan en un jam extenso, que consiste en un solo de guitarra de mas de cuatro minutos espectacular ejecutado por Allen a una velocidad impresionante y acompañado por el mismo slide, un bajo atronador y la batería que se va desmoronando, una tema que se difumina en el aire y nos hacer sentir libres como ese pájaro en que se transformo Ronnie, quedando tan solo en la memoria de cualquiera que escuche este tema y por supuesto el disco.

1973 Tres Hombres

Como su nombre lo dice este disco nos muestra de lo que son capaces de hacer tres pequeños hombres provenientes de Texas, un estado estadounidense que quizá no les diga mucho musicalmente hablando pero que sin embargo logró llamar la atención precisamente gracias a esta banda que se formaron en el 69 y cuyo fundador y guitarrista Billy Gibbons tuvo que buscar entre varios músicos hasta encontrar a sus compañeros ideales, Dusty Hill en el bajo y Frank Beard en la batería, lo mas impresionante es que hasta el día de hoy los tres permanecen juntos y siguen haciendo música como en los viejos tiempos.

Después de dos álbums que fracasarían comercialmente, no sería hasta 1973 cuando la banda conocería el éxito gracias a este su tercer álbum donde la banda le impregna un sonido mucho mas Hard Rock a sus temas debido a que antes se notaba mas una influencia Blues y Country, en esos tiempos la banda no contaba con su look de barbudos ni con la combinación de chamarras, solo tenían sus sombreros vaqueros que mas bien los hacían parecer unos simples rancheros, sin embargo la calidad musical que empezaban a mostrar era sin duda inigualable, son un total de diez temas y poco mas de media hora que basta para hacernos quedar satisfechos.

Todo empieza con un riff pegajoso y un poco sensual en “Waiting For The Bus” que más tarde saca su lado Country con la harmónica, sin embargo la guitarra toma el poder y nos regala un solo melódico y sutil, el Blues más puro de la banda se encuentra en “Jesus Left Chicago” donde la guitarra esta vez encuentra un estilo más virtuoso, un tema que nos hace pensar en un cristo muy sureño, en “Beer Drinkers & Hell Raisers” tanto Gibbons como Hill se encargan de relatarnos una historia de excesos y vida al límite, de esas veces que la guitarra te hace imaginar a ambos a bordo de sus motocicletas viajando en la carretera despreocupadamente, “Master of Sparks” vuelve a los riffs netamente Hard Rockeros gracias a ese slide en la guitarra y donde logramos escuchar al bajo como si fuera una segunda guitarra, el solo es estrafalario a mas no poder, cerramos esta mitad del disco con “Hot, Blue & Righteous” que regresa a un ritmo lento que mas bien parece acercarse al Folk de antaño pero que más tarde se transforma y finaliza de una manera muy rockera.

El tonito de teclado de “Move Me On Down The Line” no se te quita fácil de la cabeza, es como si permaneciera en el aire por siempre pero definitivamente me divierto mucho mas con “Precious and Grace” y su riff capaz de derribar cualquier barrera, acompañado de un slide que se transforma en un solo agudo y electrizante, y entonces llega la cual por la que muchos escuchan el disco “La Grange” ese clásico que apenas y cuenta con letra pero con poco mas de un minuto basta para pasar a disfrutar de la guitarra que se acompaña del bajo que suena perfecto junto con los malabares de la batería, esos dos solos de guitarra difícilmente son desagradables al oído a pesar de que llegan muy alto, “Shiek” tiene un ritmo un poco caribeño con una guitarra Funky y referencias a diferentes países del mundo otro tema sensual sin duda alguna en donde también escasea la letra, terminamos el disco con “Have You Heard” un tema lleno de Blues donde se nota que Gibbons es un gran aprendiz de los grandes maestros de la guitarra, se le puede poner atención también a la batería ya que es fundamental para que la rola se escuche bien.

Rock Clásico de la A a la Z: A de Alice Cooper

Para cerrar con la letra A, esta vez les tengo una banda clásica del Glam Rock, un género que dio cabida a que se fuera creando e ideando el Metal debido a que este género proponía un sonido mas estilizado y un poco menos 'sucio' por decirlo así, es bien sabido que uno de sus emblemas es el pionero Alice Cooper que al principio fundó una banda que llevaba su nombre y cuyo himno obligado es sin duda "I'm Eighteen" que habla de la sensación de que nuestra vida no va hacia ningún lado cuando somos adolescentes, en esta versión en vivo los cinco músicos que lo acompañan se lucen de una manera espectacular (especialmente guitarra y batería).

Otro tema por el cual también es bien conocido es "School's Out" otro que habla de adolescencia y sobre todo de rebeldía y donde ya se puede notar mas ese estilo Glam, su primer #1 en Inglaterra.

Las interpretaciones de Alice Cooper en vivo se caracterizaban por ser muy excéntricas, teatrales y además por contener a veces elementos muy fuera de lo normal, como la ocasión que subió a escena con una boa en sus hombros, o los distintos trajes que utilizaba, en 1973 lanzaría Billion Dollar Babies, quizá su mejor álbum como banda, he aquí dos grandes temas del disco.

Para finales de año lanzarían su séptimo y último álbum de estudio Muscle of Love, y después de eso Alice Cooper pasaría a ser solista, el resto es otra historia yo me quedo con este gran tema de ese álbum.

Rock Clásico de la A a la Z: A de Aerosmith

Continuamos con esta sección donde podrán seguir deleitando sus oídos semana con semana, y esta vez la letra A hace una segunda aparición esta vez con una banda americana, formada a principios de los 70 con un nombre que salió de la cabeza del baterista de la banda Joey Krammer, y cuyo líder Steven Tyler es mejor conocido por ser uno de los grandes sobrevivientes de las época 'rudas' del Rock (aunque también es conocido por hacer el ridículo en uno que otro reality show de la TV, ah y claro por su sexy hija), y no olvidemos a Joe Perry como uno de los mejores guitarristas de los 70s creador de riffs y solos extravagantes y que influyesen en géneros como el Heavy Metal, creo que ustedes saben a que banda me refiero...

Quizá muchos de ustedes piensen que Aerosmith no es más que otra banda mas de Rock Clásico sin embargo muchos quizá no se acuerden de Steven contaba con una voz privilegiada, de esas capaces de hacer altos y bajos, en el primer disco de la banda tenemos la mejor muestra de ello, una melodiosa voz que mas tarde se transforma en un huracán de notas agudas.

Ahora voy a mencionar uno de mis temas favoritos de la banda y que se ha convertido en uno de sus temas fundamentales, que se encuentra en su tercer disco y que contiene uno de los que podría ser considerado el mejor solo de guitarra de Joe Perry, el riff además es bien conocido por ser de esos riffs clásicos del Rock, mas tarde lanzarían una versión del tema y un video con Run DMC, y con esta triunfarían comercialmente.

Hablando del tercer disco de la banda Toys In The Attic que está lleno de riffs y solos divagantes incluyó otro tema que también sería relanzado mas adelante con todo y video musical, este video es muy sensual y sugerente que nos muestra una conversación por teléfono con un irónico final, es de los pocos temas donde podemos ver a Tom Hamilton destacar en el bajo.

Un tema que probablemente este un poco perdido en la discografía de la banda que fue lanzado en el álbum Just Push Play del 2001 como primer sencillo, en el video de este tema sale nada mas y nada menos que Mila Kunis cuando estaba muy joven aún.

Por último no podía quedar con las ganas de poner este tema que quizá ha sido 'reciclado' muchas veces pero que a mi sin duda me parece un muy buen tema, donde la banda nos muestra su lado mas nostálgico y melancólico, una balada pero bien hecha, en el video de este tema podemos ver a la hija de Steven: Lyv Tyler en donde hace un striptease que por supuesto resulta ser lo mas sexy del video junto con la aparición de Alicia Silverstone.

Joe Strummer

Han pasado ya mas de 10 años desde aquel día en el que el mundo del Punk Rock se estremeció por unos minutos, y es que el caudillo del Punk británico había muerto de un aparente ataque al corazón, a pesar de que el género en si había muerto hace mucho tiempo, su espíritu todavía seguía vivo en Joe Strummer sin embargo el 22 de Diciembre del 2002 la última esperanza de revivirlo algún día se había ido con el.

Fue hijo de padre hindú y madre escocesa, sin embargo Strummer nacido como John Graham Mellon un 21 de Agosto de 1952 en Turquía ya que a su padre lo mandaban a diferentes partes del mundo por su trabajo; Egipto, México y Alemania Occidental, los países donde pasaría su niñez hasta que se asentara en Inglaterra finalmente donde comenzaría a desarrollar un gusto por la música, de gente como los Rolling Stones o los Beach Boys, siempre identificado con su hermano mayor David, marcó mucho su vida el haber visto como el mismo se auto-destruía hasta que finalmente un día este decidiera quitarse la vida con una sobredosis de pastillas.

Ahora con 19 años de edad era el momento de hacerse de un seudónimo: "Woody" Mellor, e intentar algo en la escuela de artes, tiempo en el cual conoce a Tymon Dogg quien fuera su padrino musical hasta que decidiera dejar la escuela y mudarse a Gales donde intentaría solventar sus gastos con trabajos mediocres como el de sepulturero, así hasta que formaría su primera banda: The Vultures, banda que no llegaría a mucho y es entonces cuando regresa a Londres para formar junto con Dogg a The 101'ers llamada así por el edificio clandestino donde habitaban, su primera banda 'seria' donde se auto-apodaría Joe Strummer (rasgueo en inglés), y así escribiría su primer hit: "Keys To Your Heart".

Vio tocar a los Sex Pistols en 1976 (que hasta el momento eran desconocidos) y fue entonces cuando Strummer se percató que el Punk era el camino correcto para conseguir la fama que tanto quería, Paul Simonon (bajo) y Mick Jones (guitarra) (miembros de London SS) se le acercarían después de un show para iniciar una nueva banda con él como vocalista, e invitarían a Keith Levene (segundo guitarra) y a Terry Chimes (batería), se harían llamar The Clash y debutarían como teloneros de los Sex Pistols y Strummer pasaría a adoptar una personalidad completamente distinta, alguien quien realmente no era, un Punk rebelde en contra de la música hippie.

Despedirían a Chimes y a Levene y contratarían a Topper Headon como su nuevo baterista, y es como sacarían su álbum debut en 1977 que llevaba el nombre de la banda y donde se caracterizarían por sus letras anti-racistas que invitaban a los negros a formar parte del Rock como nunca se había hecho antes, Give Em Enough Rope su segundo álbum pasaría un poco desapercibido, sin embargo con su tercer disco: London Calling romperían fronteras, es una especie de llamado a todo el mundo a abrir los ojos sobre todas las ideas estúpidas que se estaban dando, el disco contiene críticas al trabajo asalariado, a la policía, al gobierno y cualquier cosa que estuviera involucrada con la ultra-derecha y además es el primer disco de The Clash donde mezclaran géneros como el reggae, el rockabilly y el ska.

Joe Strummer estaba recuperando su escencia y entonces llegarían los 80s y el éxito en Estados Unidos, Sandinista (1980) y Combat Rock (1982) eran álbums que pretendían dar a conocer a todo el mundo lo que estaba pasando en esos momentos: revoluciones, guerras nucleares, naciones lideradas por los militares, etc; sin embargo lo que hizo que la banda se viniera abajo era que en su país eran tratados como escoria, como traidores, iconos pop que no estaban trascendiendo, solo estaban intentando ganar dinero (aunque no fuera así realmente), y es por eso que los conflictos internos de la banda se agudizarían mas tarde, es cuando Jones es echado por el choque que tenía con Strummer y mas tarde Headon dejaría la banda por su adición a la heroína, la banda se encontraba desarmada.

El propio Strummer intentaría volverla a armar con miembros nuevos y lanzaron un sexto álbum de estudio: Cut The Crap(1985), sin embargo ya se venía venir, The Clash de repente no existía mas y era hora de que Strummer reiniciara su vida una vez mas, sus padres habían muerto y el tenía dos hijas con su entonces novia Gaby Salter, colaboraría en la nueva banda de Mick Jones: Big Audio Dynamite en la composición de algunos temas y mas tarde intentaría algo en la industria cinematográfica actuando en películas y haciendo el soundtrack de varias de ellas, también intentaría algo con una nueva banda llamada The Latino Rockabilly War, sin embargo su primer disco fue un fracaso comercial que lo haría romper relaciones con Epic Records.

En 1995 se casaría con Lucinda Tait y mas tarde iniciaría a asistir a una especie de fogatas hippies, Strummer estaba reencontrándose con el mismo, con John Mellor; en un festival en Glastonbury conocería a Anthony Genn con el que compondría canciones y formaría The Mescaleros, banda con la cual se volvería a reecontrar con Tymon Dogg y también con Mick Jones en un concierto benéfico y con el cual tocaría por última vez ese mismo día de manera sorpresiva, un mes y medio después llegaría el final de su vida, dos días antes de Nochebuena y de manera inesperada por un defecto congénito en el corazón.

Información extraída de lo que captó mi cerebro al ver el documental semi-autobiográfico:        The Future Is Unwritten

Angus Young

El día de hoy les voy a dejar una reseña acerca de un guitarrista muy conocido llamado Angus McKinnon Young nacido el 31 de Marzo en Glasgow, Escocia  famoso por ser el encargado de la guitarra principal dentro de AC/DC. Su trayectoria musical es realmente muy larga y ni que decir acerca de la influencia que su música ejercido tanto en rockeros como en personas adeptas al metal.

El tipo comenzó su cercanía con la música junto a su hermano Malcolm Young, al ser pupilos de su propio hermano mayor George. Antes de la formación de AC/DC, Young tocó en una banda llamada Kentuckee y no fue hasta el año de 1973 cuando se formó una de las bandas más trascendentales del rock junto con su hermano, Mark Evans y el entonces vocalista Dave Evans que después sería remplazado por el famoso Bon Scott.

Angus es conocido tanto por su salvaje desempeño escénico como por su particular vestimenta al tocar surgida después de muchos disfraces anteriores. Con solo ver videos de sus presentaciones en vivo logra transmitirte el salvajismo de los años del buen rock, en parte a su conocido 'Duck walk' imitación de Chuck Berry y a la manera en que trata a la guitarra mientras toca con sus ataques solistas en los que se tira al piso como un desquiciado, eso y el impresionante liderazgo a cargo de una banda internacionalmente rockera como lo es AC/DC.

Sinceramente el legado que este tipo ha dejado es impresionante y solo con ver una Gibson SG se viene a la mente AC/DC ¿no lo creen?

Esta reseña fue escrita por Cristian Nieto Ruiz, y es recordada como la primera biografía publicada en Rockism

John Lennon

La historia de tipos como este ha sido contada mil veces en el mundo de la música ¿Pero ya han leído la versión de Rockism? 

John Winston Lennon es mejor conocido por ser el fundador de esa banda que llegara a ser tan legendaria y que hoy en día se le ha comparado con genios de la música como el mismo Beethoven o incluso Mozart, pero bueno eso es otro tema... ¿Que hay detrás de ese fenómeno cultural, social e incluso político y económico llamado The Beatles? Precisamente la historia de un rebelde nacido en 1940, de un hijo que quizá no fue deseado, así es: un hijo bastardo, que nunca llego a comprender el origen de su existencia, por lo menos no hasta que se entero de toda la historia, del por que tuvo que vivir con sus tíos cuando su padre decidió abandonarlos y cuando Julia Lennon se embarazó de otro hombre.

Una triste infancia es la que resume la vida de John en sus primeros años, sin una familia que lo pudiera guiar como se debe, el único ejemplo que tuvo fue su tía Mimi después de que esta misma enviudara y su madre muriera atropellada accidentalmente, pero John ya había hecho de las suyas para intentar salir de casa y probar las mieles de la fama, ser como Elvis Presley ese era su sueño después de que su madre le inculcara el espíritu rockero, bien logró realizar su sueño formando The Quarrymen y convenciendo a su tía de comprarle una guitarra, tiempos en los que el rock en Inglaterrra (en esos tiempos llamado Rock N Roll) era tocar con guitarras, un bajo y una tabla de lavar ropa.

Fue así como mas tarde la banda se fue formando como cuarteto y consiguió fama poco a poco, se embarcó en una gira por Alemania, regresando de esa gira The Beatles era el tema del que todos hablaban, mas tarde el éxito en su país, en Estados Unidos, etc; Paul, John, George y Ringo eran sus nombres, donde la actitud rebelde de John destacaba por encima de los demás, y tras varias presentaciones finalmente lograron tener éxito, no crean que los Beatles tuvieron éxito de la noche a la mañana, fue algo que les costó realmente, y fueron 10 largos años de idas y venidas, 10 años que ahora muchos de nosotros tenemos grabados en la mente gracias a los innumerables documentales y libros que hay sobre ellos, ademas de la gran colección discográfica (y no discográfica) que dejaron.

Pero fue después de los Beatles cuando John cambio su comportamiento de cierto modo, aunque la necesidad de suplir ese deseo edípico que se encontraba en su ser lo llevo a enamorarse de Yoko Ono hecho el cual era indudablemente un capricho, capricho que muchos le echan echamos la culpa del motivo de la separación de los Beatles, aunque no hay duda que ese fue el momento adecuado para que la Beatlemania terminara, ya que John estaba ahora decidido a dejar de soñar y enfrentarse a la vida como debía ser, vida que tan sólo le duro diez años mas.

En décadas es como se cuenta la vida de John Lennon y es está ultima la que menos conocemos de el, tiempos en los cuales se caso con Yoko Ono, se volvió activista social, decidió embarcarse en un proyecto experimental con ella y luego decidió dejarla... así es, se tomo su año 'sabático' y se fue con May Pang para reconciliarse 18 meses después así de la nada y volver a vivir en "armonía", fue en 1975 cuando decidió dedicarse mas a su familia y hubo un hiato en el que no se le vio para nada en el panorama musical sin embargo fue 5 años despues cuando Lennon decide regresar con el legendario Double Fantasy, mismo que autografiaría para su asesino un mes después.

Mark David Chapman se convirtió en el hombre mas odiado/amado por el mundo ese 8 de Diciembre de 1980 al disparar a sangre fría a John Lennon afuera de su casa en Nueva York en el famoso edificio Dakota, 5 balazos bastaron para acabar con la vida de uno de los símbolos mas representativos de la cultura popular del siglo XX, lamentablemente muchos piensan que no pasa de ser una figura, un hombre que no tenia identidad propia fuera de su música, pero no había otra manera de llenar ese vacío que tuvo desde su infancia, la sensación y deseo de ser diferente a los demás, todos conocen la historia de John Lennon pero pocos lo ven como realmente es: un ser humano que dejo huella en este mundo como todos lo hacemos de alguna u otra forma.

Ronnie James Dio

Este año se cumplieron tres años de la muerte de uno de los grandes ídolos del Heavy Metal y del Rock en general, recuerdo que cuando ocurrió apenas me estaba adentrando en su música y realmente fue un golpe duro para mi, de esas muertes que aunque no sea ningún familiar o conocido sabes que te duelen por muy ridículo que suene, desde entonces tengo el nombre de Ronnie James Dio muy en alto, el creador de la llamada mano cornuta, que la difundió después de ver que su abuela la usaba para ahuyentar las malas vibras, ese símbolo se volvería muy conocido en el Metal hoy en día aunque hay quienes dicen que representa el 666 del diablo.

De baja estatura pero con una voz privilegiada, Ronald James Padavona inició su carrera desde 1957 aunque fue hasta 1970 con una banda llamada Elf que logro despegar ya que se volvieron teloneros de Deep Purple; se trataba de una banda de Rock con un sonido a veces influenciado por el Country, el Blues o hasta el mismo Jazz, desde ahí ya aprovechaba sus altos registros vocales y de vez en cuando tocaba el bajo.

Dicha banda permanecería junta hasta 1975, año en el que Ritchie Blackmore se separa de Deep Purple y decide iniciar su propia aventura, es cuando funda Rainbow con algunos miembros de la banda telonera Elf, entre ellos incluido Ronnie, aunque después Blackmore los despediría a todos para la siguiente alineación y conservaría únicamente a Dio, mismo que desarrollaría su talento a lo largo de tres albums de estudio y uno en vivo.

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Surgirían descontentos por parte de Ronnie y esto provocaría su salida en 1979, y es cuando Tonny Iommi y compañía lo invitarían a formar parte de Black Sabbath como reemplazo de Ozzy Osbourne, donde graba dos álbums de estudio y otro en vivo con esta formación, formación que mas tarde reemplaza a Bill Ward por Vinnie Apice.

Sin embargo todo parecía indicar que Ronnie lo que realmente quería era formar su propia banda puesto a que se sentía con la capacidad para dirigirla y escribir sus propias letras que hablaran de calabozos y dragones tal como a el le gustaba, y es como surge DIO donde invita a Appice a unirsele y a los esplendidos Vivian Campbell en la guitarra y Jimmy Bain en el bajo.

La banda tuvo varios cambios de formación y uno que otro tropezón pero se mantuvo junta hasta la muerte de Ronnie en el 2010, aunque antes de eso en el 2006, Dio regresó a Black Sabbath sin embargo la banda tuvo problemas legales con el nombre y fue como se decidió usar el nombre de Heaven & Hell, una formación que incluía a Geezer Butler, Iommi y Appice.

Aunque la banda solo pudo grabar un álbum de estudio en el 2009 ya que el lamentable deceso del cantante por causa de un repentino cáncer en el estómago hizo que la banda se desintegrara.

Elijan su época favorita de Ronnie James Dio y ríndanle tributo poniendo su nombre en alto como uno de los mejores vocalistas que ha tenido el Rock en general y que siempre cuido su voz, su estilo y su imagen.

David Bowie (Etapa Ziggy Stardust)

Hacer una biografía del camaleón del Rock no es nada fácil, es por eso que este texto se hizo esperar bastante, y será tan confuso y poco comprensible como cualquiera de sus discos, así que prepárense.

David Robert Jones fue desde sus comienzos un gran artista, nacido el 8 de Enero de 1947 en Brixton, Inglaterra; amante de la literatura, el teatro y la música a los 17 años ya era líder de una banda llamada David Jones and The Kingbees donde tocaba el saxofón y hacía representaciones teatrales de sus canciones donde llegaba a hacer cosas tan bizarras como besar esqueletos, tiempo después fue conocido como Davy Jones y hacía música que sonaba como doo-wop con influencias de bandas como los Beatles y los Kinks.

Estuvo con varias bandas mas hasta que cambió su nombre artístico a David Bowie y sacó su primer álbum como solista en 1967 que no tuvo éxito alguno, sin embargo el año siguiente compondría su primer gran éxito "Space Oddity", que esta inspirada en la película de Stanley Kubrick: 2001: A Space Oddissey, y con esto llegaría poco a poco el éxito tras el lanzamiento de un álbum en 1969 con el mismo nombre de la canción, que contiene un Pop-Folk-Psicodélico-Progresivo muy peculiar.

El camaleón entonces estaba dispuesto a cambiar de textura, transformándose en algo mas Hard Rockero con The man Who Sold The World en 1970 y que se asimilaba a ratos a Black Sabbath o Led Zeppelin, en estos momentos se empieza a gestar la idea de Ziggy Stardust además de que fue el primer álbum con Mick Ronson, aunque esta etiqueta de rockero era realmente incómoda para Bowie y es por eso que en Hunky Dory (lanzado en 1971) explora un lado pop experimental con influencias como Lou Reed o Bob Dylan realmente marcadas, se comenzaba a ver entonces también cierta influencia por la literatura de Friedrich Nietzche.

El éxito comercial ya estaba a la vuelta de la esquina y es como en 1972 llega su obra magna: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars que parece ser toda una mezcla de los anteriores álbums de Bowie siendo este un álbum conceptual que se prestaba perfectamente para una interpretación teatral del mismo, lo primero que hizo: se corto el cabello, se lo pinto de rojo, hizo una transformación total, en efecto parecía un ser que había llegado desde Marte, esta fue la personalidad que Bowie se tomó mas enserio, a veces dudo si era algo mas que un alter-ego o dicha personalidad estaba relacionada con su adicción a las drogas y su falta de pertenencia en la sociedad.

Ziggy Stardust era un alienígena que estaba dispuesto a cambiar el lamentable rumbo del planeta Tierra formando una banda de Rock (género por el cual se veía atraído de una manera extraña ya que evitaba ese roce) llamada Spiders From Mars, sin embargo algo pasa con Ziggy, este se dirige a Estados Unidos a tratar de ganar el mayor éxito posible, se vuelve adicto a la fama y a las drogas, situaciones que  se  pueden ver reflejadas en su siguiente disco: Aladdin Sane, lanzado en 1973, que rápidamente se encontró en el puesto numero uno de las listas, y así fue como el 3 de Julio de 1973 Ziggy muere inesperadamente; apabullado entre tanta fama su sueño se ve truncado y decide suicidarse, y no existe mejor momento que describa este acontecimiento que el siguiente video.

Pero no se alarmen David Bowie tan solo había cambiado de personalidad una vez más,  estaba mudando de piel para transformarse en algún otro desquisiado alter-ego que estuviera navegando por su cabeza en esos momentos y nos tenía muchas transformaciones aún por mostrar

Información extraída de este documental 

John Entwistle

Hace poco tiempo se cumplieron 11 años de la muerte de este extraordinario bajista, así que ¿Por qué no rendirle un homenaje?

Fue el bajista del grupo británico de Rock: The Who. Nacido el 9 de Octubre de 1944 en Londres, John Alec Entwistle fue afectado en su infancia por las desgracias de la Segunda Guerra Mundial ya que este vivía en los suburbios, desde chico aprendió a tocar varios instrumentos, influenciado principalmente por el Jazz, escogería finalmente el bajo.

Roger Daltrey lo invitaría a formar parte de su grupo: The Detuors, que mas tarde evolucionaría hasta llamarse The Who. El fue el que recomendó a Pete Townshend como guitarrista. Inclusive este mismo señalaba a Entwistle como el guitarrista de la banda (era bien sabido que Pete no era un guitarrista nada virtuoso). El le dio la idea a la banda de olvidarse del estilo Pop que en esos momentos estaba de moda y fue como la banda tomó un estilo mas Rock, fue su idea de hacer un solo de bajo, cosa que no se había visto anteriormente.

Arrogante y bastante fanfarrón Entwistle solía tocar además el corno francés y la trompeta, instrumentos mostrados en álbumes como Quadrophenia, donde pudo mostrar todas sus habilidades como multi-instrumentista  su personalidad hacía que fuera quizá al que menos se le prestaba atención de los cuatro integrantes, y eso la causó siempre muchos conflictos ya que a veces no era capaz de mostrar la música hecha por sí mismo eclipsado por Townshend, esto provocó que elaborara varios álbums en solitario e incluso formar un proyecto paralelo a The Who y esto mismo hizo que nunca se separara de la banda si no hasta su muerte.

Fue encontrado muerto un 27 de Junio del 2002 después de una noche de fiesta en el hotel donde la banda se preparaba para iniciar su siguiente gira en Estados Unidos, se presume que la muerte fue debido a un ataque al corazón aunque se piensa que pudo haber sido por una sobredosis de cocaína.  el bajo era solo un instrumento de acompañamiento y Entwistle fue uno de los que lograron  hacerlo fundamental en el Rock, siendo influencia de bajistas como Chris Squire (Yes), Geezer Butler (Black Sabbath), Steve Harris (Iron Maiden) y etcétera de nombres famosos, su legado no se puede mostrar de otra manera mas que en las presentaciones en vivo de la banda, es así como The Ox queda inmortalizado para siempre.