1968 Electric Ladyland

Han pasado cuarenta y cinco años y el Big Ben sigue contando los días desde que James Marshall gobernó el mundo con su guitarra, esos eran gloriosos tiempos ya que ningún guitarrista escatimaba ni se preocupaba por hacer cosas muy exageradas, la experimentación y la creatividad estaban a la vuelta de la esquina, de una manera muy accesible pero que tenían un alto riesgo: la muerte.

Y es por eso que en 1968 The Jimi Hendrix Experience lanzan su tercer álbum de estudio, mismo que destaca por ser un álbum que se acerca mucho a ser un álbum solista de Hendrix, puesto que demuestra que es 100% indispensable en todos y cada uno de los temas, esto quizá pueda verse como un punto malo, sin embargo es la única manera de aprovechar el talento de Jimi que en ese entonces estaba en su mejor momento (realmente lo fue desde que lo descubrieron), sin embargo lo curioso de este disco es que la banda se da la libertad de generar 16 temas, los cuales dan un total de 75 minutos de duración y una infinidad de ritmos y estilos inimaginables, incluso para esa época.

Todo comienza con un tema carente de letra con "...And The Gods Made Love" que insinúa el origen de la humanidad como un trance muy psicodélico, y eso continúa con la introducción al disco "Have You Ever Been (To Electric Ladyland)" y la bienvenida al mundo de promiscuidad en el que estaba envuelto Hendrix, "Crosstown Traffic" es un tema intensa donde se experimenta con el sonido que produce el kazoo lo que hace que se convierta en algo muy cercano al Hard Rock que explotaría meses mas tarde, el siguiente tema "Voodoo Chile" que cierra la primera cara del álbum es un jam psicodélico de quince minutos que tiene ciertas influencias Blues que lo hacen una especie de homenaje de Hendrix hacia algunos de sus Bluesman mas queridos, esta nave viaja a través de algunas ciudades norteamericanas e incluso llega a los confines del espacio.

Luego llega "Little Miss Strange" que parece robada de alguna banda de la invasión británica, pero que gracias a la guitarra de Hendrix se rescata aunque hay que confesar que Noel Redding no es muy bueno para cantar, pero un tema donde si destaca la parte vocal es en "Long Hot Summer Night" donde Jimi hace un tema redondo haciendo tanto de vocalista principal como participando en los coros, "Come On" es un cover a Earl King, y una oportunidad para que Hendrix demuestre que el Rock N Roll puede ser tan veloz como lo quiera hacer una guitarra, con "Gypsy Eyes" es inevitable quedar hipnotizado al escuchar la grabación a dos canales, lo cual le da un efecto de va y ven, el viaje psicodélico continúa pero de una manera mas turbia con "Burning The Midnight Lamp" que tiene un toque Soul por los coros y a la vez barroco debido a la utilización del clavecín.

El lado C viene introducido por "Rainy Day, Dream Away" y un saxofón que juguetea junto con la guitarra y el organo, esta extraña combinación logra mantenernos en expectativa hasta que la guitarra habla por si sola e inclusive opaca la voz de Hendrix, luego pasamos a "1983...(A Merman I Should Turn To Be)" que nos relata una escena apocalíptica donde el la humanidad regresa al lugar donde nació: el mar, es un tema muy Progresivo que logra viajar rítmitcamente, ya que existe un pasaje muy jazzístico donde Mitch Michell nos demuestra sus dotes en la batería y donde una flauta llega místicamente desde la boca de Chris Wood (ex-Traffic), el tema termina de una manera calmada y con los gritos de unas aves a lo lejos, "Moon Turn The Tides... Gently Gently Away" cierra la cara con el simple pero misterioso sonido del viento.

"Still Raining, Still Dreaming" llega junto con el wah-wah y parece una versión mas acelerada de otra rola del disco que también habla de la lluvia, en el intro "House Burning Down" la guitarra no para de lucirse hasta que se vuelve un poco cadenciosa sin embargo en cuanto tiene oportunidad esta vuelve a destacar, pero lo mejor de Hendrix a la guitarra sin duda se encuentra en los dos últimos temas del disco: primero el excelente cover a Bob Dylan "All Along The Watchtower" y donde la guitarra no desvaría y donde la voz de Jimi se aprovecha al cien por ciento, y para terminar tenemos "Voodoo Child (Slight Return)" donde la guitarra comienza sola y se aprovecha el pedal wah-wah de una manera única y espectacular donde Hendrix parece apenas deslizar sus dedos por las cuerdas, se agradece que sean cinco largos minutos gracias al repiqueteo y el va y ven de las notas a través de su mastodónica guitarra que tiene la potencia sonora de una orquesta completa. 

1969 Led Zeppelin II

Después del debut de esta banda, Jimmy Page y compañía estaban dispuestos a demostrarle al mundo lo que realmente eran capaces de hacer. Y es que este disco se elaboró gracias a las giras que la banda realizaba en esos momentos con el objetivo de tener mas seguidores. Muchos de los solos de guitarra (y también uno de batería) fueron extraídos de improvisaciones en vivo. Un álbum que ha sido considerado Proto-Metal y que hoy en día sigue siendo de vital importancia en el mundo del Rock, desde mi punto de vista es el mas pesado de Led Zeppelin. 

Influyente hasta mas no poder era un álbum que no podía estar exento de tener una portada mística: con el dirigible Hindenburg apareciendo una vez mas y una fotografía que nos muestra a la Fuerza Aérea Alemana de la Primera Guerra Mundial pero que si observa con mas cuidado podemos ver a ocho personas que no parecen para nada del ejercito Alemán: los 4 integrantes de la banda, su manager Peter Grant, su manager de giras Richard Cole, el cantante de blues ciego Willie Johnson y la madre de los niños en la pelicula Mary Poppins: Glynis Johnson haciendo referencia al ingeniero de sonido Glyn Johns. La banda nos mandaba un mensaje: La portada es lo de menos, lo que importa es su contenido. El álbum logro destronar al legendario Abbey Road, y si logro vencer a la Beatlemanía no fue ninguna casualidad, aquí es donde Zeppelin (gracias a la increíble producción de Page) logra mostrarnos una gran calidad musical de la cual íbamos a estar acostumbrados a escuchar. 

Desde que el riff de ''Whole Lotta Love'' empieza a sonar podemos darnos cuenta con que clase de álbum estamos tratando: un Rock mas pesado que el acostumbrado pero sin olvidarse de las raíces Blues y Rock n Roll. Y esto lo vemos en la semi-balada ''What Is and Should Never Be'' donde una vez mas oímos a Page distorsionando la guitarra con su arco de violín. Viajamos a través del álbum y podemos ver que este fue el álbum donde mas destaco John Paul Jones con su bajo haciendo aparición en una de las canciones mas sexuales de la banda ''The Lemon Song'' con un bassline estupendo (mi favorito de el) que se presume fue improvisado al momento de grabarlo.

Luego lo escuchamos tocar el organo Hammond en una de las mas bellas baladas del Rock: ''Thank You'' la primera rola completamente escrita por Robert Plant cuya letra hace referencia a ''If 6 was 9'' de The Jimi Hendrix Experience que ademas es donde podemos oír por primera vez a Page tocando con una guitarra de 12 cuerdas. Y seguimos con otra de las rolas clasicas de la banda: ''Heartbreaker'' cuyo solo inlfluiría a Eddie Van Halen a innovar con su tecnica del tapping. Inmediatamente seguida de una rola poco conocida ''Living Loving Maid'' pero que al oirla no podrás quitarte tan fácilmente ese riff de la cabeza.

 Luego nos suavizamos un poco con ''Ramble On'' la primera rola con referencia a la novela de J.R.R Tolkien: El Señor de los Anillos donde una vez mas oimos el bajo de Jones haciendo de las suyas y a la batería siendo genialmente reemplazada por un cubo de basura, pero donde realmente podemos dar cuenta de la gran tecnica de John Bonham es en ''Moby Dick'' donde hace uno de los primeros solos de batería donde en vez de utilizar las baquetas toca con las manos. Pero no nos olv idemos de  ''Bring It On Home'' un blues cover de Willie Dixon donde oímos al principio a Plant tocando su harmonica, pero llega Page con su instrumento y ese sorprendente riff que era usado en ocasiones en las giras para introducir a "Black Dog''.

Hablamos de un album con riffs Hard Rockeros, letras bastante sexuales, y un Led Zeppelin con ganas de ser una de las grandes leyendas del Rock, cosa que ya comenzaba a lograrse.

Pa Dominguear #5: A celebrar los 65 años de Robert Plant como se debe, Led Zeppelin en vivo en sus inicios

Esta semana fue el cumpleaños de uno de mis vocalistas preferidos del Rock Clásico, se dicen fáciles seis décadas y media pero si se toma en cuenta que viviste en los años 60-70, fuiste un Ídolo del Rock y además te desviviste lo mas que pudiste haciendo con tus groupies lo que se te pegaba la gana la verdad es que debes de llevar la etiqueta de sobreviviente, esa etiqueta le va muy bien a Sir Robert Plant que hoy en día sigue haciendo música pese a que su voz ya no sea la misma de aquellos tiempos mozos

 

Y es por eso que el día de hoy me apetece celebrar su cumpleaños con un pequeño video de poco mas de 30 minutos de cuando Led Zeppelin apenas empezaba, tiempos en los que la voz de Plant estaba intacta antes de someterse a su operación de las cuerdas vocales, era 1969 y la banda se presentaba en Dinamarca por primera vez, el nombre de la banda iba a ser vetado debido a la similitud con el apellido de la baronesa Eva Von Zeppelin pero esto no impediría que se presentaran en dicho país promocionando únicamente 4 temas de su entonces único álbum, el concierto es tan querido entre los fanáticos de la banda que inclusive se llegó a crear un EP al respecto, en fin les dejo el video de la presentación completa.

Rock Clásico de la A a la Z: C de Creedence Clearwater Revival

Otra de las bandas clásicas que deben revisarse por obligación son los padres del Rock Sureño, créanlo o no los Creedence lo son, esos cuatro chicos Californianos que venían a ofrecer algo distinto en el Rock, después de que en sus inicios la banda se dedicara a hacer covers de los Beatles y tener un estilo muy parecido al Garage Rock que se estaba haciendo en Inglaterra la banda decide hacer música un poco mas diferente a partir de su segundo álbum Bayou Country y es como la leyenda comienza, a pesar de tener una poca exitosa presentación en Woodstock en 1969 la crítica les pondría los ojos encima y los aclamaría como una de las mejores bandas de le época.

Si por algo se destacaba Creedence es porque era una banda que se divertía haciendo covers, especialmente covers de leyendas del Rock N Roll o el Blues, uno de sus mas conocidos y mejor ejecutados es el que hicieron a un tema de Little Richard y que incluyeron también en su segundo álbum en donde John Fogerty demuestra la potencia de su voz.

Otra de las características mas acentuadas de la banda es el impresionante control que tenían los cuatro miembros del ritmo de sus instrumentos a la hora de tocarlos en vivo, cosa que a algunas bandas no les importaba mucho, en definitiva una de las mejores muestras es el último tema de este segundo álbum del cual tanto les he hablado y en donde Doug Clifford hace de las suyas en la batería.

Ya para no sonar tan repetitivo con el segundo disco les dejaré un clásico de su cuarto álbum de estudio, Willy and The Poorboys que fuera el último de la trilogía en ser lanzado en 1969, y que cuenta con muy buenos temas en este en especial destaca el bajo de Stu Cook. 

Por último les dejaré uno de mis temas favoritos de la banda que también era un cover y que transformaron en toda una versión psicodélica y con muy buenos riffs de guitarra; la versión que les dejo es interpretada por John que se negara a regresar a la banda después de la muerte de su hermano Tom Fogerty, en este video viene también incluido otro tema de su disco debut.

Rock Clásico de la A a la Z: C de Cream

Hace poco hablaba de Blind Faith, un grupo que siempre pasa desapercibido en la historia del Rock pero cuya música pudo ser reflejada en tan poco tiempo, y precisamente una de las bandas con las que se relaciona es precisamente la que les mostraré el día de hoy, Cream es un grupo que en ocasiones es considerado uno de los primeros supergrupos de la historia del Rock, lo único cierto es que los nombres de Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce eran bien conocidos en Inglaterra en 1966 cuando la banda se formó aunque con sus bandas anteriores no habían tenido el éxito adecuado (excepto quizá Clapton), como la banda es una de mis favoritas no lo podía pasar por alto en esta sección.

Cream es una banda que vale la pena de principio a fin, tan sólo sacaron cuatro álbums de estudio pero con eso bastó para quedar impresos como uno de los sellos mejor reconocidos del Rock Clásico, uno de mis temas favoritos se encuentra en su segundo álbum Disraeli Gears que fue uno de los mas exitosos y al cual yo considero el mejor, el tema se llama "Strange Brew" y seguro muchos de ustedes reconocerán ese potente riff del inicio.

Una de las razones por la cual era conocida la banda era sin duda por sus actuaciones en vivo que dieron mucho de que hablar en esos tiempos, de las primeras bandas en llevar los tan característicos jams del Jazz al escenario, y otra razón por la cual es bien conocida la banda es por su excelente versión de un tema muy conocido de Robert Johnson que logran transformar en toda una locura de versión gracias a la guitarra de Eric Clapton y el bajo de Jack Bruce.

Pero recordemos que estamos hablando de un trío, una banda que también era muy conocida por su baterista: Ginger Baker que muchas veces ha sido considerado el mejor baterista del Rock gracias a su explosiva manera de tocar y sin el cual la banda no hubiera sido lo que era, gracias a él hacían muy buenos jams en vivo como este que presentaron en su famoso Farewell Concert en 1968 en el Royal Albert Hall.

Ese mismo año la banda editó un tercer álbum de estudio: Wheels of Fire un disco doble que muchas veces es también considerado el mejor disco de la banda por contener versiones en vivo de sus temas en uno de los discos y en el otro un repertorio de buenos temas, en este disco se encuentra también otro de los clásicos de la banda, una guitarra que embellece la letra de un tema muy bien compuesto.

Por último no podía dejar atrás su tema mas conocido y uno de los riffs mas conocidos en el Rock, es simple de aprender a tocar pero siempre que se llega a la parte del solo es difícil igualar la técnica de Clapton, quien iba a decir que un tema de amor iba a ser tan rompe madres, para que escuchen algo diferente les dejo la versión en vivo pero del 2006 donde se reunieron después de casi 40 años en el Royal Albert Hall una vez mas.

Rock Clásico de la A a la Z: B de Blind Faith

Regresando al repaso de las bandas de Rock Clásico el día de hoy les voy a mostrar a una banda que nació tan rápidamente que murió de la misma manera, y es que el proyecto conocido como Blind Faith se gestó a partir de la disolución de Cream en 1969, sin embargo tanto Ginger Baker como Eric Clapton querían todavía hacer de las suyas y es por eso que reclutan a dos excelentes músicos: Steve Winwood (Traffic y The Spencer Davis Group) y Ric Grech (Family), con los que empezaron a jamear y componer varias canciones, y así de rápido fue como se creo que el proyecto que mas tarde estarían debutando tocando gratis en el Hyde Park y que cuatro meses después ya darían por terminado el viaje, y donde cada uno de los miembros tomaría caminos distintos.

Sin embargo este corto tiempo sirvió para que los cuatro nos dejara un buen legado con un disco de estudio titulado precisamente Blind Faith cuya portada fue muy polémica y en el cual viene contenido este gran tema, con un estilo un poco Jazz y a la vez juguetón y rayando en el Funk.

Como les decía la banda nació gracias a los Jams que se produjeron gracias a que los cuatro tenían gustos musicales muy diversos que iban del Blues y el Jazz hasta el Funk y el Rock mas puro y precisamente uno de las mejores productos de estos jams pudo ser rescatado para una edición de lujo, este no se cual sea la verdad pero se los dejo para que divaguen un rato con la batería de Ginger Baker.

Por último les voy a dejar otro tema que también está incluido en el disco y que también es uno de los mejores y mas reconocidos de la banda gracias al riff, es precisamente el que abre el disco pero en esta ocasión les dejo la versión en vivo en el Hyde Park compuesto por Steve Winwood contiene un excelente trabajo guitarrero por parte de Eric Clapton.

1969 Green River

Después del éxito obtenido con Bayou Country, el Rock Sureño tenía que seguir haciendo de las suyas, John Fogerty ya había experimentado en la producción de este mismo disco y, al ver lo mucho que se le daba hacer dicho trabajo decidió darle continuidad al proyecto y unir fuerzas con el que fuera el productor de su álbum debut, fue entonces cuando el cuarteto californiano se decidió a regalarnos otra joya, cuando apenas habían pasado siete meses desde el anterior álbum, los Creedence ya habían grabado nuevas canciones y estaban listos para lanzar nuevo material, inclusive retrasaron un poco la publicación del álbum para darle tiempo a que Bayou tuviera todavía un poco de trascendencia. 

Sin embargo, como chamacos que se mueren por probar juguetes nuevos el 5 de Agosto de 1969 lanzaron este su tercer disco, donde podemos observar que la banda repite la fórmula anterior con algunos temas 'agresivos' por decirlo así y algunos otros de melancolía extrema al puro estilo Sureño, otra de las cosas que vale la pena resaltar de este álbum es que se trata del álbum con mas corta duración de la época en la que la alineación estaba completa.

Una de mis bandas favoritas que admiro debido a que los cuatro miembros siempre logran dejarnos boquiabiertos debido a la gran cohesión que suelen mostrar y lo virtuosos que suelen ser, esto se comienza a notar desde “Green River” una oda a un río de nombre ficticio donde el elemento principal es la guitarra pero donde ni el bajo ni la batería se encuentran ausentes, llega “Commotion” que nos muestra otro gran riff de guitarra donde John Fogerty se luce más adelante junto con el ritmo acelerado de la batería, pero sin duda la que nos muestra mejor la habilidad de la guitarra es “Tombstone Shadow” una especie de Blues acompañado de algunos arreglos en el teclado que le dan un toque bastante entretenido, más tarde las dos guitarras se fusionan para hacer más hipnótico al tema, por último en este lado del disco tenemos “Wrote A Song For Everyone” un tema más nostálgico que nada donde la banda nos muestra su lado más Country y donde las guitarras se encuentran varadas en algún camino solitario que va rumbo al pueblo mas lejano.

Comenzamos el Lado B con “Bad Moon Rising”, la clásica del álbum por default que nos habla un inminente fin del mundo, y que tiene un ritmo bastante bueno y sutil, sin embargo esta no forma parte de mis favoritas, lo hace así “Lodi” donde vuelve la nostalgia, la guitarra se luce de vez en cuando y el bajo hace de las suyas llevando el ritmo, en esta podemos vislumbrar la historia de un músico frustrado que cae en un pueblo aburrido donde fracasa, “Cross-Tie Walker” es igual de calmada sin embargo la batería comienza a acelerar un poco mientras el bajo se encarga de ser el principal protagonista con tan misteriosa línea y la guitarra vuelve a aparecer esporádicamente, esta misma viene a reanimar el álbum un poco con “Sinister Purpose” donde brilla con intensidad mientras la batería retumba alegremente, un solo vibrante de guitarra en medio nos hace sentir una atmósfera rockera al cien por ciento, el disco termina entonces con un cover de R&B “Night Time Is The Right Time” donde la banda le impregna ese toque rockero con la guitarra y los coros más agresivos que en la versión original y que termina de manera dramática.

Janis Joplin

El día de hoy les voy a hablar de la Bruja del Blues Cósmico, título que quizá no exista como tal pero que siempre me ha gustado mencionar debido a que es la manera perfecta de describir su estilo, por que ella empezó cantando Folk y Country, sin embargo paso el tiempo y se involucra en el Rock Psicodélico y esto hizo que su estilo se transformara, los motivos por los cuales la atención se centraba en ella era por que era increíble que alguien tan joven (a pesar de que su apariencia no le favorecía mucho) y que haya salido de la nada pudiera cantar tan bien como las cantantes afroamericanas de Blues y de Soul, este año precisamente se cumplieron 70 años de su nacimiento así que es un pretexto perfecto para rendirle homenaje.

Janis Lyn Joplin nació un 19 de Enero de 1943, siempre se caracterizó por su humor y su risa increíblemente incómoda y en ocasiones sarcástica, proveniente de Porth Arthur, Texas conoció el Blues a los 14 años cuando escuchó un disco de Lead Belly y comenzó a cantar a los 17, lo cual ella menciona como una sorpresa muy agradable ya que no sabía que tenía dicho talento, desde el principio se caracterizó por ser alguien diferente, alguien que se la paseaba por la escuela descalza cuando se le pegaba la gana, se relacionaba con las personas de piel negra, leía y pintaba.

Al salir de la universidad se dio cuenta que Texas no era lo suyo, ella quería vivir las locuras que se estaban viviendo mas al Oeste y fue como llegó a San Francisco donde conoció a Chet Helms, un promotor que la recluto en uno de los grupos de Blues Rock que comenzaba a nacer en esa época Big Brother & The Holding Company y rápidamente resalto sobre sus compañeros, durante los dos discos de estudio que lanzó con ellos siempre fue ella la que logró que la banda tuviese éxito, en parte gracias a la impresionable presencia que tenía sobre el escenario, cosa que cautivó a los críticos cuando cantó con su banda en el Monterey Pop Festival en 1967.

Debido a la gran presión que le exigía su manager Albert Grossmany las constantes discusiones en el grupo decide dejar la banda y formar una nueva donde pudiese experimentar con el estilo que realmente veneraba: el soul, la nueva banda tenía por nombre Kozmic Blues Band donde decide reclutar al guitarrista de Big Brother: Sam Andrew, aunque debido a los constantes cambios realmente el primer álbum (y único) que grabó con la banda fue como su primer álbum solista, fue en Agosto de 1969 cuando brindó una increíble presentación en el Festival de Woodstock que ha pasado a la historia y será recordada por siempre, en esos momentos Janis era la mujer mas buscada por los medios en todo Estados Unidos.

Fue en 1970 cuando encontró la que parecía al fin ser la banda que la acompañaría toda su vida: la Full Tilt Boogie Band, con la que comenzó a grabar un álbum de estudio que llevaría por nombre Pearl y saldría a principios de 1971, comenzaba Octubre y el álbum estaba casi listo, un par de sesiones y revisiones más y terminarían de elaborarlo, sin embargo por esos días había conocido a Seth Morgan de quien se había enamorado, un día antes lo llamó y se dio cuenta que estaba con alguien mas, esto la puso de mal humor y se marchó a su casa, al otro día Paul Rotchild se dio cuenta que no había llegado a grabar, y fue a buscarla a su casa, solo para darse cuenta que su cuerpo sin vida yacía en el piso de su departamento, "Mercedes Benz" fue la única grabación que no llegó a completar y se incluyó en el álbum a capela, otro momento que pasó a la historia.

Ese 4 de Octubre de 1970, se confirmó la muerte de la cantante debido a una sobredosis de heroína (la cual tenía mucho tiempo que no consumía), y el efecto que tuvo en su cuerpo al haberla combinado con alcohol, el álbum Pearl se dio por terminado y se lanzó en Enero de 1971, sus cenizas fueron aventados al Océano Pacífico, así que hoy en día el único recuerdo que nos queda de Janis Joplin es su Porsche, su legado y su música.

Información extraída de mi cerebro, un poco de Wikipedia y del documental Janis: The Way She Was

John Lennon

La historia de tipos como este ha sido contada mil veces en el mundo de la música ¿Pero ya han leído la versión de Rockism? 

John Winston Lennon es mejor conocido por ser el fundador de esa banda que llegara a ser tan legendaria y que hoy en día se le ha comparado con genios de la música como el mismo Beethoven o incluso Mozart, pero bueno eso es otro tema... ¿Que hay detrás de ese fenómeno cultural, social e incluso político y económico llamado The Beatles? Precisamente la historia de un rebelde nacido en 1940, de un hijo que quizá no fue deseado, así es: un hijo bastardo, que nunca llego a comprender el origen de su existencia, por lo menos no hasta que se entero de toda la historia, del por que tuvo que vivir con sus tíos cuando su padre decidió abandonarlos y cuando Julia Lennon se embarazó de otro hombre.

Una triste infancia es la que resume la vida de John en sus primeros años, sin una familia que lo pudiera guiar como se debe, el único ejemplo que tuvo fue su tía Mimi después de que esta misma enviudara y su madre muriera atropellada accidentalmente, pero John ya había hecho de las suyas para intentar salir de casa y probar las mieles de la fama, ser como Elvis Presley ese era su sueño después de que su madre le inculcara el espíritu rockero, bien logró realizar su sueño formando The Quarrymen y convenciendo a su tía de comprarle una guitarra, tiempos en los que el rock en Inglaterrra (en esos tiempos llamado Rock N Roll) era tocar con guitarras, un bajo y una tabla de lavar ropa.

Fue así como mas tarde la banda se fue formando como cuarteto y consiguió fama poco a poco, se embarcó en una gira por Alemania, regresando de esa gira The Beatles era el tema del que todos hablaban, mas tarde el éxito en su país, en Estados Unidos, etc; Paul, John, George y Ringo eran sus nombres, donde la actitud rebelde de John destacaba por encima de los demás, y tras varias presentaciones finalmente lograron tener éxito, no crean que los Beatles tuvieron éxito de la noche a la mañana, fue algo que les costó realmente, y fueron 10 largos años de idas y venidas, 10 años que ahora muchos de nosotros tenemos grabados en la mente gracias a los innumerables documentales y libros que hay sobre ellos, ademas de la gran colección discográfica (y no discográfica) que dejaron.

Pero fue después de los Beatles cuando John cambio su comportamiento de cierto modo, aunque la necesidad de suplir ese deseo edípico que se encontraba en su ser lo llevo a enamorarse de Yoko Ono hecho el cual era indudablemente un capricho, capricho que muchos le echan echamos la culpa del motivo de la separación de los Beatles, aunque no hay duda que ese fue el momento adecuado para que la Beatlemania terminara, ya que John estaba ahora decidido a dejar de soñar y enfrentarse a la vida como debía ser, vida que tan sólo le duro diez años mas.

En décadas es como se cuenta la vida de John Lennon y es está ultima la que menos conocemos de el, tiempos en los cuales se caso con Yoko Ono, se volvió activista social, decidió embarcarse en un proyecto experimental con ella y luego decidió dejarla... así es, se tomo su año 'sabático' y se fue con May Pang para reconciliarse 18 meses después así de la nada y volver a vivir en "armonía", fue en 1975 cuando decidió dedicarse mas a su familia y hubo un hiato en el que no se le vio para nada en el panorama musical sin embargo fue 5 años despues cuando Lennon decide regresar con el legendario Double Fantasy, mismo que autografiaría para su asesino un mes después.

Mark David Chapman se convirtió en el hombre mas odiado/amado por el mundo ese 8 de Diciembre de 1980 al disparar a sangre fría a John Lennon afuera de su casa en Nueva York en el famoso edificio Dakota, 5 balazos bastaron para acabar con la vida de uno de los símbolos mas representativos de la cultura popular del siglo XX, lamentablemente muchos piensan que no pasa de ser una figura, un hombre que no tenia identidad propia fuera de su música, pero no había otra manera de llenar ese vacío que tuvo desde su infancia, la sensación y deseo de ser diferente a los demás, todos conocen la historia de John Lennon pero pocos lo ven como realmente es: un ser humano que dejo huella en este mundo como todos lo hacemos de alguna u otra forma.

Syd Barret

Siempre que se habla de Pink Floyd es innevitable mencionar a genios como Roger Waters o David Gilmour, pero ¿Son en realidad The Wall o Dark Side of The Moon las obras magnas de Pink Floyd? Pues yo les diré que hay un genio olvidado detrás de todo esto: Syd Barret.

Nacido en Cambridge, Inglatera el 6 de Enero de 1946 Roger Keith Barrett, mejor conocido como Syd Barret, fue uno de los fundadores de Pink Floyd. Tuvo siempre debilidad hacia el arte: principalmente música y pintura. A los 15 años ya contaba con una guitarra eléctrica y un amplificador hecho por el mismo.Y fue en la secundaria de Cambridge donde conoció a dos de las personas mas importantes en su vida musical: Roger Waters y David Gilmour, este ultimo le enseño a tocar los primeros acordes. Roger lo invitaría a formar parte de una banda llamada The Abbads. Al salirse el guitarrista Bob Klose, Barrett sugirió un nuevo nombre: The Pink Floyd Sound en honor a dos músicos de Blues: Pink Anderson y Floyd Council, en esos tiempos el sonido de la banda sonaba mas bien al estilo de los Rolling Stones y recordaba al Rock N Roll de antaño.

Para 1966 la banda ya estaba conformada por Waters, Mason, Wright y el propio Barrett. Cambiaron su nombre a simplemente Pink Floyd y rápidamente  fueron conocidos por ser una banda de Rock Experimental y pioneros de la Psicodelia gracias a la influencia de los temas escritos por Barret. ''Arnold Layne'', su primer sencillo, habla sobre un chico obsesionado por la ropa interior femenina, la cual roba en su colegio, otros grandes temas como "Bike" nos demuestran la simplicidad de las letras de Syd combinados con su compleja instrumentación.

Entonces publicarían a crear su primer álbum: The Piper at the Gates of Dawn, llamado así por los capítulos de un libro que Syd leía de joven. Para entonces sus problemas con el LSD eran cada vez peores y le impedían presentarse en las actuaciones en vivo y crear temas cada vez mas y mas viajados y fuera de la realidad que reflejaban la locura en la cual estaba encerrado, "Vegetable Man" y "Scream Thy Last Scream" son claros ejemplos de ello.

Es entonces cuando Waters propone a David Gilmour como sustituto para los actos en vivo, dándole oportunidad a Barret de participar en las grabaciones del grupo, creando así un segundo álbum: A Sacerful of Secrets que solo incluiría un tema compuesto por Syd: ''Jugband Blues''. La compañía disquera desaprueba que Syd siga participando en la banda por lo que el se separa definitivamente del grupo.

En 1970 saca dos albums como solista: The Madcap Laughs y Barret, donde nos muestra psicodelia pura a su estilo, albums que cuentan con la colaboración de sus ex-compañeros, aunque estos serían el único material oficial, intentó tocar en vivo pero su única presentación fracasó al interrumpirse a si mismo en el tercer tema; mas tarde decidió regresar a casa de su madre donde permanecería ahí hasta su muerte. Lamentablemente el talento de Barret no se volvió a mostrar nunca ya que siempre estuvo a la sombra de su drogadicción, y un 7 de Julio del 2006 los excesos cobraron su cuota al fallecer de cáncer a los 60 años.

Sin embargo a pesar de esto no hay duda alguna de que Syd Barret siempre estuvo presente en la banda algunos temas donde lo recordaban como "If" del álbum Atom Heart Mother, o en la totalidad del disco: Wish You Where Here donde dicen que Syd se apareció en las sesiones de grabación, gordo y sin cejas, misma que fue inspiración para crear a Pink, personaje de The Wall, los dejo con esta impresionante interpretación del tema que Pink Floyd le dedicó interpretado por la Orquesta Filarmónica de Londres.

Si Syd Barret no hubiera existido, aportando sus composiciones psicodelicas y progresivas, nunca hubiera existido Pink Floyd tal y como lo conocemos ahora.

Información extraída de lo que mi cerebro captó al ver este documental 

David Bowie (Etapa Ziggy Stardust)

Hacer una biografía del camaleón del Rock no es nada fácil, es por eso que este texto se hizo esperar bastante, y será tan confuso y poco comprensible como cualquiera de sus discos, así que prepárense.

David Robert Jones fue desde sus comienzos un gran artista, nacido el 8 de Enero de 1947 en Brixton, Inglaterra; amante de la literatura, el teatro y la música a los 17 años ya era líder de una banda llamada David Jones and The Kingbees donde tocaba el saxofón y hacía representaciones teatrales de sus canciones donde llegaba a hacer cosas tan bizarras como besar esqueletos, tiempo después fue conocido como Davy Jones y hacía música que sonaba como doo-wop con influencias de bandas como los Beatles y los Kinks.

Estuvo con varias bandas mas hasta que cambió su nombre artístico a David Bowie y sacó su primer álbum como solista en 1967 que no tuvo éxito alguno, sin embargo el año siguiente compondría su primer gran éxito "Space Oddity", que esta inspirada en la película de Stanley Kubrick: 2001: A Space Oddissey, y con esto llegaría poco a poco el éxito tras el lanzamiento de un álbum en 1969 con el mismo nombre de la canción, que contiene un Pop-Folk-Psicodélico-Progresivo muy peculiar.

El camaleón entonces estaba dispuesto a cambiar de textura, transformándose en algo mas Hard Rockero con The man Who Sold The World en 1970 y que se asimilaba a ratos a Black Sabbath o Led Zeppelin, en estos momentos se empieza a gestar la idea de Ziggy Stardust además de que fue el primer álbum con Mick Ronson, aunque esta etiqueta de rockero era realmente incómoda para Bowie y es por eso que en Hunky Dory (lanzado en 1971) explora un lado pop experimental con influencias como Lou Reed o Bob Dylan realmente marcadas, se comenzaba a ver entonces también cierta influencia por la literatura de Friedrich Nietzche.

El éxito comercial ya estaba a la vuelta de la esquina y es como en 1972 llega su obra magna: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars que parece ser toda una mezcla de los anteriores álbums de Bowie siendo este un álbum conceptual que se prestaba perfectamente para una interpretación teatral del mismo, lo primero que hizo: se corto el cabello, se lo pinto de rojo, hizo una transformación total, en efecto parecía un ser que había llegado desde Marte, esta fue la personalidad que Bowie se tomó mas enserio, a veces dudo si era algo mas que un alter-ego o dicha personalidad estaba relacionada con su adicción a las drogas y su falta de pertenencia en la sociedad.

Ziggy Stardust era un alienígena que estaba dispuesto a cambiar el lamentable rumbo del planeta Tierra formando una banda de Rock (género por el cual se veía atraído de una manera extraña ya que evitaba ese roce) llamada Spiders From Mars, sin embargo algo pasa con Ziggy, este se dirige a Estados Unidos a tratar de ganar el mayor éxito posible, se vuelve adicto a la fama y a las drogas, situaciones que  se  pueden ver reflejadas en su siguiente disco: Aladdin Sane, lanzado en 1973, que rápidamente se encontró en el puesto numero uno de las listas, y así fue como el 3 de Julio de 1973 Ziggy muere inesperadamente; apabullado entre tanta fama su sueño se ve truncado y decide suicidarse, y no existe mejor momento que describa este acontecimiento que el siguiente video.

Pero no se alarmen David Bowie tan solo había cambiado de personalidad una vez más,  estaba mudando de piel para transformarse en algún otro desquisiado alter-ego que estuviera navegando por su cabeza en esos momentos y nos tenía muchas transformaciones aún por mostrar

Información extraída de este documental 

John Entwistle

Hace poco tiempo se cumplieron 11 años de la muerte de este extraordinario bajista, así que ¿Por qué no rendirle un homenaje?

Fue el bajista del grupo británico de Rock: The Who. Nacido el 9 de Octubre de 1944 en Londres, John Alec Entwistle fue afectado en su infancia por las desgracias de la Segunda Guerra Mundial ya que este vivía en los suburbios, desde chico aprendió a tocar varios instrumentos, influenciado principalmente por el Jazz, escogería finalmente el bajo.

Roger Daltrey lo invitaría a formar parte de su grupo: The Detuors, que mas tarde evolucionaría hasta llamarse The Who. El fue el que recomendó a Pete Townshend como guitarrista. Inclusive este mismo señalaba a Entwistle como el guitarrista de la banda (era bien sabido que Pete no era un guitarrista nada virtuoso). El le dio la idea a la banda de olvidarse del estilo Pop que en esos momentos estaba de moda y fue como la banda tomó un estilo mas Rock, fue su idea de hacer un solo de bajo, cosa que no se había visto anteriormente.

Arrogante y bastante fanfarrón Entwistle solía tocar además el corno francés y la trompeta, instrumentos mostrados en álbumes como Quadrophenia, donde pudo mostrar todas sus habilidades como multi-instrumentista  su personalidad hacía que fuera quizá al que menos se le prestaba atención de los cuatro integrantes, y eso la causó siempre muchos conflictos ya que a veces no era capaz de mostrar la música hecha por sí mismo eclipsado por Townshend, esto provocó que elaborara varios álbums en solitario e incluso formar un proyecto paralelo a The Who y esto mismo hizo que nunca se separara de la banda si no hasta su muerte.

Fue encontrado muerto un 27 de Junio del 2002 después de una noche de fiesta en el hotel donde la banda se preparaba para iniciar su siguiente gira en Estados Unidos, se presume que la muerte fue debido a un ataque al corazón aunque se piensa que pudo haber sido por una sobredosis de cocaína.  el bajo era solo un instrumento de acompañamiento y Entwistle fue uno de los que lograron  hacerlo fundamental en el Rock, siendo influencia de bajistas como Chris Squire (Yes), Geezer Butler (Black Sabbath), Steve Harris (Iron Maiden) y etcétera de nombres famosos, su legado no se puede mostrar de otra manera mas que en las presentaciones en vivo de la banda, es así como The Ox queda inmortalizado para siempre. 

1963 Please Please Me

Este año se cumplió medio siglo del lanzamiento de un disco que revoluciono la manera de hacer música, de grabarla, producirla e incluso comercializarla, es a partir de 1963 cuando el Rock comienza a llamarse Rock oficialmente y deja de ser Rock N Roll, es en 1963 cuando John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr se lanzan al estrellato finalmente, una historia que se ha contado mil veces pero nunca por Rockism.

Y es que realmente si nos posicionamos en tiempo nos daremos cuenta que para 1963 el nombre de The Beatles ya era sonado en todo el mundo y la fama del cuarteto ya era universal, sin embargo hacía falta dar ese gran paso, cierto que a principios de los 60s lanzar un disco de estudio no significaba mucho y es precisamente esta la razón por la cual Please, Please Me se vuelve tan importante, ya que para ese entonces la banda ya era conocida por éxitos como "Please, Please Me" y "Love Me Do", la importancia radica en que el lanzamiento del álbum le dio la oportunidad a todo el mundo de escuchar mas material de la banda además de que el disco fue grabado en su mayoría en menos de 10 horas lo que lo hace un disco muy íntimo y propio de la banda, mas de la mitad de canciones escritas por la banda y la participación de los cuatro miembros en las voces en por lo menos una de las canciones son elementos que se suman a esto, sin ahondar mas en la historia porque los aburriría en demasía vamos a pasar al análisis tema por tema.

Comenzamos con un '¡1,2,3,4!' y ese hipnótico ritmo de bajo en "I Saw Her Standing There" acompañado de palmas y una guitarra plenamente Rock N' Rollera que sale fuera de sí en un solo sencillo, "Misery" es de las tranquilonas en donde Lennon y McCartnery comparten la voz y son acompañados de un teclado sutil, "Anna" es el primer cover y la primera oportunidad de John de resaltar, lo cual logra gracias a la ayuda de la melódica guitarra que cambia de ritmo en algunos ratos, “Chains” es la primera presentación de la armónica y de Harrison en la voz con un ritmo lento y un poco flojo, le sigue entonces el turno de Ringo: “Boys” un tema que será recordado por su ‘Bop shua bop bop shua’ y la hipnótica combinación bajo-guitarra con un solo de esta última que se torna alocado hasta cierto punto,  “Misery” es muy baladesca y resalta el ego de Lennon por querer destacar en la banda, una interpretación vocal muy buena por cierto, para terminar la primera cara del disco tenemos “Please, please me” donde volvemos a escuchar la armónica y donde tenemos un ritmo muy bien elaborado que es a veces cortado por las guitarras.

Comienza la cara B con otro single “Love Me Do” melosa hasta más no poder pero que se hace mágica gracias a la combinación que logran Paul y John una vez más, la melosidad se sobrepasa con “P.S. I Love You” donde McCartney hace suyo el tema por completo con una excelente interpretación, “Baby It’s You” y sus ‘shalalala’ hacen otro tema mágico y romántico con un ritmo tranquilo, Harrison vuelve a aparecerse para otro tema que respira amor por todas partes “Do You Want To Know A Secret” y con un ritmo muy bien llevado por la batería, “A Taste of Honey” es la última oportunidad de McCartney, aunque es un tema bastante lento no le quita algo de emoción el hecho de que las guitarras estén bien sincronizadas, ya preparándonos para el final esta “There’s A Place” donde la harmónica vuelve a aparecer y la voz nasal de Lennon se vuelve a hacer notar, y entonces ahora sí para finalizar el disco tenemos “Twist and Shout” caracterizado por las guitarras rockeras y el grito de John que se eleva hasta mas no poder y culmina fulminantemente.

1967 The Velvet Underground & Nico

Me pregunto si estaremos hablando de la fruta mas famosa del rock: un plátano dibujado por Andy Warhol en los tiempos en que este estaba de moda, que contenía un arte adicional: este podía ser pelado y dejaba al descubierto un plátano fálico; yo opino que debería serlo, y no sólo por el hecho de que lo haya dibujado Warhol si no por el hecho de que es la portada de uno de los discos mas emblemáticos y representativos de la escena underground de los 60s, una de las pioneras del Rock Experimental también llamado Art Rock.

Esta banda se formó en 1964 por Lou Reed y John Cale, que se conocieron en un grupo llamado The Primitives, luego decidieron formar su propia banda y reclutaron a Sterling Morrison y a Angus McLise,  tomarían su nombre gracias a ese libro de sadomasoquismo de Michael Leigh: The Velvet Underground, mas tarde contratarían a Maureen Tucker en reemplazo de Angus, y la formacion final quedaría establecida, mas tarde conocerían a Warhol quien se convertiría en su manager y les sugeriría añadir a la cantante Nico para grabar un álbum de estudio, es cierto que la banda no queria a Nico en sus filas, que estaban incómodos con el hecho de  que Warhol se volviera una especie de padrino manipulador, pero no cabe duda que el resultado fue uno de los mas revolucionarios y artísticos álbums que han existido en la historia del Rock, el album que los ha llevado a ser considerados los padres del Noise.

Empezamos con la alegre y optimista ''Sunday Morning'' con arreglos de un extraño piano tocado por Cale llamado Celesta usado por Tchaikosky en su famoso cascanueces el cual le da un toque unico a la rola, la primera referencia a la heroína se encuentra en: ''I'm Waiting For The Man'' cuyos bajos y guitarras se encuentran perfectamente sincronizados y esto hace que el tema se vuelva uno de los mejores del álbum, sigue ''Femme Fatale'' la primera aparición de Nico a la voz y una letra misógina escrita por Reed, entra la viola de manera mística a ''Venus In Furs'' junto con una cansada batería, y aquí es donde aplican el sadomasoquismo que tanto los influenciaría, una de las razones por las cuales este disco se volvió un disco de culto.

''Run, run, run'' es una referencia a las drogas y la verdad no es un tema muy bueno instrumentalmente hablando sin embargo los dos solos de guitarra son extravagantes y descomunales, seguimos con el himno hippie ''All Tomorrow's Parties'' que para muchos tal vez parezca un poco cansada sin embargo yo la encuentro bastante interesante debido a la utilización del piano preparado y a la Ostrich guitar, lo bueno es que cuando este tema acaba llega: ''Heroin'' cuya instrumentación nos hace sentir esa experiencia con esta terrible droga cada vez que el tempo empieza a acelerar y Reed canta mas rápidamente, los guitarrazos entran con todo, la viola resuena en nuestros oídos y la batería simula el latido del corazón, que inclusive llega a pararse en algún punto del viaje.

Llega el riff semi-plagiado de ''Hitch Hike'' de The Rolling Stones en ''There She Goes Again'' un tema hippie y pegajosón, seguido de otro tema más cantado por Nico ''I'll Be Your Mirror'' melodioso y brillantemente corto, a partir de aquí el álbum se “descompone” debido a que el Noise llega a su máxima expresión, ahí esta ''The Black Angel's Death Song'' con una letra filosófica cantada de manera narrativa acompañada de la viola, y para finalizar tenemos ''European Son'' que se vuelve completamente Noise con todos los instrumentos al borde de la locura, no apto para oídos delicados, así es como termina un álbum que si no lo consideras clásico es por que no has tenido la oportunidad de escucharlo minuciosamente, así que será mejor que te vayas dando un tiempo.

1969 Bayou Country

Después de que John Fogerty y Doug Clifford terminaran su servicio militar la banda ya estaba lista, ahora si, para lanzar un disco. Habían olvidado el estilo de The Golliwogs, banda anterior a Creedence, en la que habían tenido un sonido un tanto Pop, Garage y no muy bien trabajado. Finalmente había nacido Creedence Clearwater Revival junto con su hermano Tom Fogerty en la segunda guitarra y Stu Cook en el bajo que es tal como se le recuerda hoy en día. Había nacido el llamado Rock Sureño. Aunque aun así el sonido de la banda en este álbum no era todavía tan Country, el éxito vendría a partir del año siguiente con el lanzamiento de su segundo álbum de estudio: Bayou Country y el comienzo de una trilogía sublime.

Muchos de ustedes quizá recuerden a Creedence como una super bandota de los 60s no lo fue tanto así en su tiempo, a pesar de que eran buenos, el hecho de no haber dado una buena presentación en Woodstock lamentablemente les resto puntos, sin embargo el éxito internacional que lograrían años mas tarde los ayudaría a colocarse como una de las bandas emblema de la época; y es que Creedence tiene en su discografía tanto canciones nostálgicas que nos transportan a viajes en el campo como temas intensos y netamente rockeros, esto se debe en gran parte a la gran técnica guitarrera y la capacidad compositiva de su líder John Fogerty, que junto con los arreglos instrumentales de sus compañeros conforma una banda bien hecha y derecha, increíble saber que sacaran tres álbumes ese año con una calidad extraordinaria para esa época, he aquí la reseña del primero de ellos.

Lo que los Creedence logran en este álbum es una mezcla de psicodelia y Garage Rock que se refleja desde el principio con “Bayou Country” y las congas que acompañan a la distorsionada guitarra que nos brinda solos extraídos de la estratósfera sincronizados con los demás instrumentos, los gritos de Fogerty también son responsables de dicho divague, llega “Bootleg” con las guitarras como protagonistas, la acústica acompañando y la eléctrica repiqueteando después de cada verso, el ritmo es rock n rollero de una manera un poco discreta, le sigue “Graveyard Train” que contiene un ritmo blues que es llevado por el bajo y es uno de los temas más largos de la banda, aunque la monotonía se rompe en cuanto se escucha el sonido de la armónica que llega como una segunda voz y se acompaña de uno que otro destello de la guitarra eléctrica.

El único cover del disco resulta ser uno de los mejores en la discografía de los Creedence “Good Golly Miss Molly” original de Little Richard y que la guitarra de Fogerty convierte en una maravilla junto con la alegre batería y la segunda guitarra que Rock N Rollean hasta mas no poder, el piano no se salva de sonar como elemento primordial, entonces llega otro tema sumamente guitarrero “Penthouse Paper” donde esta llega hasta los niveles más inhóspitos de nuestro oído sin sobrepasar nunca el número de decibeles aceptados en nuestro cuerpo para poder disfrutar del tema plenamente, para que no nos hastiemos de Rock N Roll llega “Proud Mary” el gran clásico de Creedence por excelencia con esa melodía tan nostálgica y tan agradable al cerebro, vamos a terminar el disco con un tema jammero “Keep On Chooglin’” que poco a poco va agarrando ritmo y encontrando su caudal a través de un sendero truculento apoyado por la intensidad y agresividad de la armónica, escuchamos los gritos de Fogerty mientras nos cautiva con sus solos de guitarra hasta el final del tema.