1976 2112

La historia de Rush comienza hace más de cuarenta años en Canadá donde la banda comenzó a tocar, Geddy Lee y Alex Lifeson eran amigos de la infancia y decidieron formar una banda junto con John Rustey, este último fungía como baterista de la banda sin embargo nunca tuvo los mismos gustos de la banda y fue despedido al poco tiempo, llegando a grabar únicamente el álbum debut de la banda Rush, no tardarían en reemplazarlo con el increíble Neil Peart, el cual le daría un giro de 180 grados a la banda

Conservarían solo la parte intensa y Hard Rockera de la banda pero se dirigirían a un ambiente mas influenciado por el Rock Progresivo en donde Neil aprovecharía su capacidad de letrista y añadiría conceptualización a sus álbums, esto pasa con Fly By Night y con Caress of Steel, sin embargo el disco responsable de llevarlos a la cima tanto comercial como de calidad musical fue este, un disco que tiene dos partes: la primera con una suite de mas de veinte minutos de duración y la segunda con cinco temas que nada tienen que ver con el resto del concepto, estos son los elementos que lo hacen un álbum único, haciéndonos comprender porque una banda como Rush tiene tantos fanáticos.

El disco comienza con "2112" dividida en siete partes que cuenta la historia de una federación galáctica formada por varios planetas en el futuro que pierde su identidad como nación y de cómo un hombre encuentra una guitarra que puede salvarlos de su libertad; "I:Overture" es la introducción a la historia que va de un canal a otro y cuenta con miles de redobles de la batería de Neil Peart y también una referencia guitarrera a Tchaikovsky, "II: The Temples of Syrinx" es la parte donde el pueblo nos cuenta su modus vivendi y como los sacerdotes gobiernan la federación, “III: Discovery” es precisamente el dulce momento en el que el hombre encuentra la guitarra escondida en una cueva y comienza a tocarla dándose cuenta de lo valiosa que es, “IV: Presentation” el momento en el que el hombre intenta presentarles a los sacerdotes su descubrimiento mientras ellos vociferan en contra de él tachándolo de hereje o algo por el estilo, y es como llega un solo de guitarra que nos conduce a “V: Oracle: The Dream” donde a este protanista se le revela como vivían sus ancestros antes de que la vida estuviese controlada por los sacerdotes, este regresa a la cueva en “VI: Soliloquy” donde acaba con su vida en su desesperación por la fría vida que se vive en la federación, otro solo de guitarra nos lleva a “VII: Grand Finale” donde nos damos cuenta que una guerra ha explotado y la federación ha llegado a ser controlada por otros seres interestelares al parecer mas poderosos y avanzados.

Llega el segundo lado del álbum con “Passage To Bangkok” y ese riff oriental, tema que hace referencia al consumo de drogas así como la visita que la banda añoraba por hacer a algunos países, antes del solo de guitarra se puede escuchar como si alguien esnifara cocaína, “Twilight Zone” es otro de los grandes temas de la banda ya que habla de una serie del mismo nombre que divagaba en temas de ciencia-ficción, el tema tiene un ambiente sumamente oscuro del cual son responsables las guitarras y una voz en eco que susurra el coro cantado por Geddy Lee, “Lessons” es un tema donde Alex Lifeson intenta hacerla de letrista y donde su guitarra nos brinda muy buenos ratos, el turno es de Geddy cuando compone “Tears” un tema tranquilo que incluye un melotrón, el disco termina entonces con “Something For Nothing” un tema que vuelve a la intensidad de la banda y nos cuenta como es imposible obtener libertad de manera gratis, retroalimentando entonces la temática con la cuál el disco comenzó y es como llegamos a comprender la crudeza de la vida del ser humano que al parecer tendrá el mismo problema de identidad sin importar el paso de los años.

1976 Rising

Insatisfecho con la formación anterior, Ritchie Blackmore decide hacer un cambio radical en Rainbow, conservando solo a Ronnie James Dio recluta a Tony Carey en los teclados, Jimmy Bain en el bajo y en la batería al asombroso Cozy Powell que anteriormente había trabajado con Jeff Beck y otros músicos de renombre, este hombre seria la pieza fundamental que haría del sonido de Rainbow un sonido original y nada anticuado. 

Saldría entonces a la venta este álbum: Rising, que era digno de considerarse un álbum elaborado de buena forma o como decimos aquí en México: con huevos. El álbum nos presenta tan solo 6 canciones pero sin duda la mítica portada nos garantiza que este sera un álbum que nos pondrá a Rockear, ademas de que aquí la banda enfoca su sonido un poco mas al Heavy Metal.

 

Iniciamos el viaje con la misteriosa ''Tarot Woman'' que tiene una intro psicodélica con teclados donde mas tarde la batería irrumpe para mostrarnos una auténtica rola Hard Rockera, luego nos vamos con ''Run with the Wolf'' que contiene riffs y solos espeluznantes dignos de ser hechos por Ritchie Blackmore, en  ''Starstruck'' es donde Powell nos muestra una de sus mejores interpretaciones en la batería y que también nos muestra lo que Jimmy Bain era capaz de hacer en el bajo.

''Do You Close Your Eyes'' es para mi es la única que puede pasar desapercibida aunque tiene buen ritmo, ''Stargazer'' en mi opinión es el mejor tema de Rainbow, en este colabora la Orquesta Filarmónica de Munich que le da ese toque sinfónico y dramático que tanto caracteriza a la canción donde el director de orquesta parece ser Cozy Powell con el ritmo de su batería, por último tenemos la enérgica ''A Light in the Black'' que contiene una sección donde podemos escuchar a todos los instrumentos haciendo de las suyas y a Ronnie James Dio gritando las lineas 'Im Coming Home', tal como lo hizo hace unos años, ha regresado a casa...

1969 Led Zeppelin II

Después del debut de esta banda, Jimmy Page y compañía estaban dispuestos a demostrarle al mundo lo que realmente eran capaces de hacer. Y es que este disco se elaboró gracias a las giras que la banda realizaba en esos momentos con el objetivo de tener mas seguidores. Muchos de los solos de guitarra (y también uno de batería) fueron extraídos de improvisaciones en vivo. Un álbum que ha sido considerado Proto-Metal y que hoy en día sigue siendo de vital importancia en el mundo del Rock, desde mi punto de vista es el mas pesado de Led Zeppelin. 

Influyente hasta mas no poder era un álbum que no podía estar exento de tener una portada mística: con el dirigible Hindenburg apareciendo una vez mas y una fotografía que nos muestra a la Fuerza Aérea Alemana de la Primera Guerra Mundial pero que si observa con mas cuidado podemos ver a ocho personas que no parecen para nada del ejercito Alemán: los 4 integrantes de la banda, su manager Peter Grant, su manager de giras Richard Cole, el cantante de blues ciego Willie Johnson y la madre de los niños en la pelicula Mary Poppins: Glynis Johnson haciendo referencia al ingeniero de sonido Glyn Johns. La banda nos mandaba un mensaje: La portada es lo de menos, lo que importa es su contenido. El álbum logro destronar al legendario Abbey Road, y si logro vencer a la Beatlemanía no fue ninguna casualidad, aquí es donde Zeppelin (gracias a la increíble producción de Page) logra mostrarnos una gran calidad musical de la cual íbamos a estar acostumbrados a escuchar. 

Desde que el riff de ''Whole Lotta Love'' empieza a sonar podemos darnos cuenta con que clase de álbum estamos tratando: un Rock mas pesado que el acostumbrado pero sin olvidarse de las raíces Blues y Rock n Roll. Y esto lo vemos en la semi-balada ''What Is and Should Never Be'' donde una vez mas oímos a Page distorsionando la guitarra con su arco de violín. Viajamos a través del álbum y podemos ver que este fue el álbum donde mas destaco John Paul Jones con su bajo haciendo aparición en una de las canciones mas sexuales de la banda ''The Lemon Song'' con un bassline estupendo (mi favorito de el) que se presume fue improvisado al momento de grabarlo.

Luego lo escuchamos tocar el organo Hammond en una de las mas bellas baladas del Rock: ''Thank You'' la primera rola completamente escrita por Robert Plant cuya letra hace referencia a ''If 6 was 9'' de The Jimi Hendrix Experience que ademas es donde podemos oír por primera vez a Page tocando con una guitarra de 12 cuerdas. Y seguimos con otra de las rolas clasicas de la banda: ''Heartbreaker'' cuyo solo inlfluiría a Eddie Van Halen a innovar con su tecnica del tapping. Inmediatamente seguida de una rola poco conocida ''Living Loving Maid'' pero que al oirla no podrás quitarte tan fácilmente ese riff de la cabeza.

 Luego nos suavizamos un poco con ''Ramble On'' la primera rola con referencia a la novela de J.R.R Tolkien: El Señor de los Anillos donde una vez mas oimos el bajo de Jones haciendo de las suyas y a la batería siendo genialmente reemplazada por un cubo de basura, pero donde realmente podemos dar cuenta de la gran tecnica de John Bonham es en ''Moby Dick'' donde hace uno de los primeros solos de batería donde en vez de utilizar las baquetas toca con las manos. Pero no nos olv idemos de  ''Bring It On Home'' un blues cover de Willie Dixon donde oímos al principio a Plant tocando su harmonica, pero llega Page con su instrumento y ese sorprendente riff que era usado en ocasiones en las giras para introducir a "Black Dog''.

Hablamos de un album con riffs Hard Rockeros, letras bastante sexuales, y un Led Zeppelin con ganas de ser una de las grandes leyendas del Rock, cosa que ya comenzaba a lograrse.

1973 Pronounced 'lĕh-'nérd 'skin-'nérd

Lo que me parece increíble de esta foto es que los siete hombres que ven ahí sentados en la banqueta participaron en la elaboracion del disco del cual les hablare el día de hoy, y no solo estuvieron presentes en la grabación si no que cada uno le logra brindar un toque único a cada tema, yo diría que no hay tema en que alguna de las tres guitarras: Gary Rossington, Allen Collins y Ed King; el bajo de Leon Wilkenson; la bateria de Bob Burns; los teclados de Billy Powell; y por supuesto la voz del legendario Ronnie Van Zant no salgan a relucir, de principio a fin es un disco completisimo, el mas clasico de la banda, injustamente olvidado en su momento para ahora ser el que quizá sea el mas nombrado, y nadamas vean la lista de canciones, la mayoría son clásicos; la historia de esta banda se remonta a 1964 cuando Allen, Gary y Ronnie se conocieron en una secundaria de Florida y formaron su propia banda llamada en ese entonces The Noble Five, conocieron a un profesor de educacion fisica llamado Leonard Skinner, el cual era muy estricto con el corte de cabello de los alumnos, si el nombre les suena familiar es precisamente por que el futuro nombre de la banda pasaria a ser un tributo a el, fue hasta la siguiente decada cuando Al Kooper (ex- Blood, Sweat & Tears) los descubriría y cambiarían su nombre a Lynyrd Skynyrd para lanzar este su álbum debut, pero sin mas palabrería, hablemos de los 43 minutos y 3 segundos que dura el álbum.

Con un fuzz llega “I Ain’t The One”, con guitarras completamente rockanrolleras lideradas por Collins y un teclado que también hace de las suyas, el Country entra a nuestra alma con “Tuesday’s Gone” y es ahora Rossington quien toma el mando de la guitarra principal que es acompañada por el bajo y la batería, el mellotrón junto y todos los arreglos logran que el tema se vuelva nostálgico y nos transporte a ese triste martes que seguramente era tan cálido como la voz seca de Ronnie, “Gimme Three Steps” es sumamente divertida gracias al Rock N Rollero principio y esas congas tan bien ambientadas en el ritmo bailable y pegajoso, pasamos a otra de las grandes del álbum: “Simple Man” cuyos acordes del principio, el órgano y el paso lento de la batería son los elementos principales, por supuesto también esta esa explosión después del primer minuto y el sublime solo de guitarra, una letra excelente que nos hace recordar las lecciones que nuestros mayores nos repetían cuando éramos chicos, un tema de Rock Sureño por excelencia.

Vámonos al Viejo Oeste con “Things Goin' On” y a criticar la política como buen grupo de Rock, el teclado de Powell creo yo es el elemento que logra el ambiente de cantina y entonces yo me siento como si estuviera en alguna escena de la última entrega de la saga de películas Back To The Future, el bajo sale a relucir en ciertos momentos, entra la  mandolina que nos introduce a ''Mississipi Kid'' donde King toma la batuta y es la guitarra líder y nos demuestra que el tambien es capaz de hacer lo suyo en esta área con un slide tremendo, la voz de Van Zant no podría ser mas sureña excepto quizá en el siguiente tema: ''Poison Whiskey'', donde cerramos esta trilogía Country y se encuentra aquí el mejor solo de teclado del disco, que viene después del de la guitarra que también es espectacular, sin duda Billy resulta ser un maestro en este campo.

Llegamos al mítico y esperado final ''Freebird'', un tema donde la banda combina melodías pop con el Country Rock y logra fusionarlo en lo que ellos mismos saben hacer, el oír el órgano del principio y la batería despegar me pone chinita la piel pero lo que no puedo aguantar es oír el slide de la guitarra de Rossington, este usa una Gibson SG por única vez en toda la discografía de Lynyrd, la primera parte es totalmente lírica y melódica pero en la segunda parte los instrumentos explotan en un jam extenso, que consiste en un solo de guitarra de mas de cuatro minutos espectacular ejecutado por Allen a una velocidad impresionante y acompañado por el mismo slide, un bajo atronador y la batería que se va desmoronando, una tema que se difumina en el aire y nos hacer sentir libres como ese pájaro en que se transformo Ronnie, quedando tan solo en la memoria de cualquiera que escuche este tema y por supuesto el disco.

1982 The Number of The Beast

Steve Harris estaba mas que contento al haber realizado su sueño después de la grabación de dos discos de estudio con su banda y una gira europea junto a Kiss, además de que la dupla Murray-Smith se había acoplado perfectamente, pero había una pequeña falla en su plan: Paul Di Anno (su vocal) no había nacido para ser un Rockstar, como decimos aquí en México: era hora de darle cuello. El reemplazo iba a ser uno de lo movimientos mas inteligentes de la historia del Heavy Metal: la llegada de un vocalista con actitud, capaz de animar al publico, su nombre: Bruce Dickinson (apodado en ese entonces Bruce Bruce).

Y asi es como Harris y compañia se encauzaron a un nuevo camino llamado: The Number of The Beast. El concepto en general es lo que les dio la fama: el 666, la cita bíblica y una portada 'diabólica' que sugería que Eddie The Head era mas malévolo que el mismo diablo, esto causo mucha controversia en el continente americano llegando a nombrar a la banda como 'satánica'. Así nació este álbum que contiene algunos de los temas mas famosos de Iron Maiden. Al haber agotado Harris su material lírico en los dos álbums anteriores el resto de la banda empieza a colaborar en la composición como es el caso de Adrian Smith, del mismo Dickinson e incluso de Clive Burr.

Resuena la batería junto con el bajo y un pequeño riff de guitarra y da comienzo “Invaders”, plagada de riffs pegajosos una canción bastante intensa que a veces no es tomada en cuenta pero es una de mis favoritas del álbum, seguimos con la melódica “Children of The Damned” que se asemeja un poco al Doom Metal con ese ritmo lento aunque rompe con esa melodía más o menos a la mitad de la canción donde Clive Burr hace maravillas con su batería y da paso a un gran solo de guitarra, sigue “The Prisioner” basada en la serie británica del mismo nombre, empieza lenta pero se empieza a acelerar hasta llegar al coro en el cual Dickinson nos presenta una de sus mejores interpretaciones con esa gran capacidad para modular su voz.

Pasamos a “22 Acacia Avenue”, no es la gran cosa, una letra adolescente obra de Adrian que continua la Charlotte The Harlot Saga pero nunca es una canción de sobra suena ese (ahora famoso) pasaje del Apocalipsis de inmediato sabemos que se trata de “The Number of The Beast” cuando se oye ese riff obra de Adrian Smith, una de las canciones más famosas de la banda que nos habla de esa pesadilla sufrida por Harris, y que además contiene un excelente solo que es acompañado del bajo de Steve Harris, sigue ''Run To The Hills'' otro de los éxitos de la banda, donde la batería y el bajo se encargan de darle ese tono galopante a la canción. 

“Gangland” contiene un excelente intro de batería, con la particularidad de ser una de las dos canciones de Iron Maiden co-escritas por Clive la segunda es precisamente el siguiente tema: “Total Eclipse” que es un tema que se incluyó en la reedición de 1998 como si fuera un tema original del álbum sin embargo cuadra perfecto con los demás temas del álbum suena menos Metalera pero a la hora de llegar al solo explota para volver a un ritmo más lento, cerramos con “Hallowed Be Thy Name” y ese ambiente de ultratumba, llena de riffs excelsos, solos volátiles y un Bruce llegando al máximo en su tono mostrándonos que es capaz de cantar a diferentes velocidades, un cierre perfecto para un álbum perfectamente elaborado.

1969 Green River

Después del éxito obtenido con Bayou Country, el Rock Sureño tenía que seguir haciendo de las suyas, John Fogerty ya había experimentado en la producción de este mismo disco y, al ver lo mucho que se le daba hacer dicho trabajo decidió darle continuidad al proyecto y unir fuerzas con el que fuera el productor de su álbum debut, fue entonces cuando el cuarteto californiano se decidió a regalarnos otra joya, cuando apenas habían pasado siete meses desde el anterior álbum, los Creedence ya habían grabado nuevas canciones y estaban listos para lanzar nuevo material, inclusive retrasaron un poco la publicación del álbum para darle tiempo a que Bayou tuviera todavía un poco de trascendencia. 

Sin embargo, como chamacos que se mueren por probar juguetes nuevos el 5 de Agosto de 1969 lanzaron este su tercer disco, donde podemos observar que la banda repite la fórmula anterior con algunos temas 'agresivos' por decirlo así y algunos otros de melancolía extrema al puro estilo Sureño, otra de las cosas que vale la pena resaltar de este álbum es que se trata del álbum con mas corta duración de la época en la que la alineación estaba completa.

Una de mis bandas favoritas que admiro debido a que los cuatro miembros siempre logran dejarnos boquiabiertos debido a la gran cohesión que suelen mostrar y lo virtuosos que suelen ser, esto se comienza a notar desde “Green River” una oda a un río de nombre ficticio donde el elemento principal es la guitarra pero donde ni el bajo ni la batería se encuentran ausentes, llega “Commotion” que nos muestra otro gran riff de guitarra donde John Fogerty se luce más adelante junto con el ritmo acelerado de la batería, pero sin duda la que nos muestra mejor la habilidad de la guitarra es “Tombstone Shadow” una especie de Blues acompañado de algunos arreglos en el teclado que le dan un toque bastante entretenido, más tarde las dos guitarras se fusionan para hacer más hipnótico al tema, por último en este lado del disco tenemos “Wrote A Song For Everyone” un tema más nostálgico que nada donde la banda nos muestra su lado más Country y donde las guitarras se encuentran varadas en algún camino solitario que va rumbo al pueblo mas lejano.

Comenzamos el Lado B con “Bad Moon Rising”, la clásica del álbum por default que nos habla un inminente fin del mundo, y que tiene un ritmo bastante bueno y sutil, sin embargo esta no forma parte de mis favoritas, lo hace así “Lodi” donde vuelve la nostalgia, la guitarra se luce de vez en cuando y el bajo hace de las suyas llevando el ritmo, en esta podemos vislumbrar la historia de un músico frustrado que cae en un pueblo aburrido donde fracasa, “Cross-Tie Walker” es igual de calmada sin embargo la batería comienza a acelerar un poco mientras el bajo se encarga de ser el principal protagonista con tan misteriosa línea y la guitarra vuelve a aparecer esporádicamente, esta misma viene a reanimar el álbum un poco con “Sinister Purpose” donde brilla con intensidad mientras la batería retumba alegremente, un solo vibrante de guitarra en medio nos hace sentir una atmósfera rockera al cien por ciento, el disco termina entonces con un cover de R&B “Night Time Is The Right Time” donde la banda le impregna ese toque rockero con la guitarra y los coros más agresivos que en la versión original y que termina de manera dramática.

1973 Tres Hombres

Como su nombre lo dice este disco nos muestra de lo que son capaces de hacer tres pequeños hombres provenientes de Texas, un estado estadounidense que quizá no les diga mucho musicalmente hablando pero que sin embargo logró llamar la atención precisamente gracias a esta banda que se formaron en el 69 y cuyo fundador y guitarrista Billy Gibbons tuvo que buscar entre varios músicos hasta encontrar a sus compañeros ideales, Dusty Hill en el bajo y Frank Beard en la batería, lo mas impresionante es que hasta el día de hoy los tres permanecen juntos y siguen haciendo música como en los viejos tiempos.

Después de dos álbums que fracasarían comercialmente, no sería hasta 1973 cuando la banda conocería el éxito gracias a este su tercer álbum donde la banda le impregna un sonido mucho mas Hard Rock a sus temas debido a que antes se notaba mas una influencia Blues y Country, en esos tiempos la banda no contaba con su look de barbudos ni con la combinación de chamarras, solo tenían sus sombreros vaqueros que mas bien los hacían parecer unos simples rancheros, sin embargo la calidad musical que empezaban a mostrar era sin duda inigualable, son un total de diez temas y poco mas de media hora que basta para hacernos quedar satisfechos.

Todo empieza con un riff pegajoso y un poco sensual en “Waiting For The Bus” que más tarde saca su lado Country con la harmónica, sin embargo la guitarra toma el poder y nos regala un solo melódico y sutil, el Blues más puro de la banda se encuentra en “Jesus Left Chicago” donde la guitarra esta vez encuentra un estilo más virtuoso, un tema que nos hace pensar en un cristo muy sureño, en “Beer Drinkers & Hell Raisers” tanto Gibbons como Hill se encargan de relatarnos una historia de excesos y vida al límite, de esas veces que la guitarra te hace imaginar a ambos a bordo de sus motocicletas viajando en la carretera despreocupadamente, “Master of Sparks” vuelve a los riffs netamente Hard Rockeros gracias a ese slide en la guitarra y donde logramos escuchar al bajo como si fuera una segunda guitarra, el solo es estrafalario a mas no poder, cerramos esta mitad del disco con “Hot, Blue & Righteous” que regresa a un ritmo lento que mas bien parece acercarse al Folk de antaño pero que más tarde se transforma y finaliza de una manera muy rockera.

El tonito de teclado de “Move Me On Down The Line” no se te quita fácil de la cabeza, es como si permaneciera en el aire por siempre pero definitivamente me divierto mucho mas con “Precious and Grace” y su riff capaz de derribar cualquier barrera, acompañado de un slide que se transforma en un solo agudo y electrizante, y entonces llega la cual por la que muchos escuchan el disco “La Grange” ese clásico que apenas y cuenta con letra pero con poco mas de un minuto basta para pasar a disfrutar de la guitarra que se acompaña del bajo que suena perfecto junto con los malabares de la batería, esos dos solos de guitarra difícilmente son desagradables al oído a pesar de que llegan muy alto, “Shiek” tiene un ritmo un poco caribeño con una guitarra Funky y referencias a diferentes países del mundo otro tema sensual sin duda alguna en donde también escasea la letra, terminamos el disco con “Have You Heard” un tema lleno de Blues donde se nota que Gibbons es un gran aprendiz de los grandes maestros de la guitarra, se le puede poner atención también a la batería ya que es fundamental para que la rola se escuche bien.

1993 Vs

Aprovechando el recién anuncio de un nuevo disco de Pearl Jam y con eso de que últimamente el Grunge anda queriendo revivir, les voy a hablar del segundo disco de la banda. En mi opinión la bandas más versátil del Grunge y la única que no ha vendido su imagen. Después de la publicación de su exitoso álbum debut, Ten, la banda tuvo una fuerte pelea con los medios de comunicación, esto llevó a su ruptura con ellos y para 1993 Eddie Vedder había logrado lo que quería: pasar de ser una banda popular a ser una banda underground. Me alegra en verdad que Pearl Jam tuvo esa ruptura con los medios, eso los hizo mas queridos para el publico Grunge y esto hace que hoy sea considerada (casi) una banda de culto.

Desde la inclusión de Dave Abruzesse en la batería en 1991 este no había podido mostrar su talento en un disco de estudio, por lo que este álbum se vuelve muy significativo. Un álbum que nos habla de lo que sentían en esos momentos: furia hacia los medios, abrumados por ser catalogados como estrellas, y es que Pearl Jam fue una banda demasiado mencionada en esa época inclusive salían en portadas de revistas, sus videos polémicos y otras cosas eran razones por las cuales poner los reflectores en ellos. La portada lo refleja todo: una oveja encerrada tras las rejas, como dijo Jeff Ament: ''Nos sentíamos como esclavos''. Pearl Jam se convirtió en mi banda favorita del Grunge gracias a la originalidad que tienen, nunca llegan a sonar como alguna otra banda, inmediatamente que los oyes sabes que son ellos.

El disco comienza con el rugido de "Go" un bajo llevado al límite acompañado de una batería imponente y unos riffs furiosos, la historia de violación y abuso se refleja en la parte del solo de guitarra donde esta parece querer hablar, vuelve la batería de Abbruzzese a "Animal" representa otro acto de furia ante la presión que la banda tenía de los medios de comunicación, una vez más la distorsión hace de las suyas, "Daughter" es el himno 90tero del álbum por excelencia, un tema tranquilo donde se hace mención a lo difícil que es vivir la niñez cuando las capacidades de aprendizaje son limitadas.

"Glorified G" tiene ese riff pegajoso con coros sutilmente acomodados y una parte final que divaga en riffs y versos aventados al aire que blasfeman en contra del uso de armas, es en "Dissident" donde vuelve a hacerse presente la nostalgia noventera con un riff melodioso y donde la voz Vedder da lo mejor de sí, "W.M.A." cuenta la historia de un muchacho afroamericano que es maltratado por la policía, se acompaña de unos retumbantes tambores, timbales y un cencerro, la línea de bajo amortigua la distorsión que divaga al final.

La furia regresa en "Blood" justo con esa agresividad en la voz de Eddie y un ritmo Funk combinado con Hard Rock donde las guitarras son protagonistas, la batería parece explotar pero aunque no lo crean todavía tiene energía para "Rearviewmirror" donde la batería se exige al máximo y donde podemos escuchar un riff un tanto escondido entre el intenso ritmo, un tema que nos invita a mirar atrás para ver las cosas con más claridad, el Funk regresa en "Rats" acompañado del bajo de Ament que nos recuerda porque se encuentra ahí, McCready nos regala un bello y sutil solo.

Viene la más nostálgica del álbum "Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town" donde Vedder se pone romántico y nos brinda un gran momento acompañado de la guitarra acústica, llegamos a "Leash" un tema donde la banda se identifica con la juventud invitándolos a romper las cadenas de aquello que nos impide ser libres llámense maestros, padres, etc; al final la guitarra se vuelve infinita, el final lo tenemos con "Indifference" y su viajante melodía de teclado-guitarra donde los dos instrumentos parecen hacerse uno solo, un tema que nos habla del sentimiento de insatisfacción con el que muchas personas cargan toda su vida, un tema tranquilo y blando pero bastante bello.

1973 Queen

40 años se dicen fácil pero si vamos al pasado y observamos la calidad de la música mostrada en este disco, lograremos ver lo atemporal que resulta ser. Queen fue una banda seminal de Hard Rock, de esas que dejan huella en la historia del Rock como lo hicieran grupos como The Doors, AC/DC, Led Zeppelin, etc. La historia comienza cuando Brian May formo Smile y reclutó a Roger Taylor, mas tarde se unirían a la banda Freddie Mercury y John Deacon y cambiarían su nombre a Queen. Influenciados por el Heavy Metal y el Rock Progresivo que en ese entonces se hacía en Inglaterra, Queen saco su primer album, un proyecto del mismo nombre que a mi me fascino a pesar de que me negaba a escuchar a Queen. Un álbum que tardó dos años en ser publicado. Lástima que este álbum sea tan poco conocido y hasta en ocasiones despreciado debido a que el sonido que más tarde caracterizara a la banda no se encuentra implícito en dicho álbum.

Empezamos con la clasica ''Keep Yourself Alive'' y sus clasicos riffs y solos, simple y sencillamente una de las mejores canciones grabadas por la banda, gracia a ese efecto tan difuminante que se nos queda grabado por siempre, seguimos con una rola que fue originalmente grabada por Smile:  ''Doing All Right'' comenzamos con Mercury cantando un melodioso verso junto con May en el piano, mas tarde Brian toma su guitarra y ejecuta un asombroso solo con una sección tirándole al Heavy Metal, un va y ven de ritmos bastante interesante, el Hard Rock potente llega desde el riff de  ''Great King Rat'' donde podemos ver asombrosos cambios de ritmo a lo largo de la canción y que trata un tema de anti-catolicismo, la guitarra distorsionada de May y un grito de Mercury nos introducen a ''My Fairy King'', en esta cancion podemos ver lo habilidoso que este ultimo era para tocar el piano ademas de que con esta rola Freddie decide cambiar su apellido de Bunsara a Mercury (un mensaje oculto sobre su homosexualidad tal vez).

Sigue ''Liar'' que nos muestra que tambien existia otro talento en el grupo: Roger Taylor es el encargado de tocar la bateria y con esa percusion bastante acertada, los tintes de Opera Rock se vislumbran durante los casi seis minutos que dura el tema y que contienen representaciones teatrales y cuyos actores son los mismos instrumentos. La oscuridad llega con ''The Night Comes Down '' ya que aquí Brian May se dispone a mostrarnos su habilidad con la guitarra acústica logrando que la rola suene algo así como una balada psicodélica un poco fúnebre, lo que sin duda no podía faltar en el álbum era un tributo al Rock N Roll, la corta y Rock N Rollera ''Modern Times Rock N' Roll'' escrita y cantada por Taylor, ''Son and Daughter'' tiene un ritmo bastante pesado aunque se contrasta con coros algo celestiales, vayamos a Nazaret con ''Jesus'' y escuchemos un tema que contiene una sección instrumental con la guitarra: la famosisima Red Special fabricada por el mismo May que hace que la canción suene Psicodélica, y cerramos con un instrumental incompleto de una canción que seria publicada en el siguiente álbum de Queen: ''Seven Seas of Rhye''.

2011 I'm With You

"Madurez Intergeneracional"

Que fácil es dejar huella en la música durante una década, eso lo han logrado muchas bandas en el Rock, sin embargo ¿Que les parece dejar huella a lo largo de tres generaciones de una manera distinta? Eso sin duda no resulta nada fácil hoy en día, y menos tratándose de una banda que ha tenido tantas complicaciones como lo son los Red Hot Chili Peppers.

En los 80s estaban dedicados a crear Punk-Funk rebelde y sin ningún sentido (Freaky Styley y The Uplift Mofo Party Plan), así lograron imponer moda con su singular estilo al tocar en vivo con tan solo un calcetín cubriendo sus partes íntimas, luego vendrían los 90s y la necesidad de vomitar la resaca fiestera que la década pasada había dejado con todas sus adicciones llevadas al límite (Blood, Sugar, Sex, Magic y Californication), el momento en el que la banda sentó cabeza y empieza a hacer de las suyas en el ámbito comercial, ya consagrados en los 2000s la banda se da el lujo de experimentar un poco y hacerla de padrinos de la nueva venida de Rock Independiente, esos álbumes (By The Way y Stadium Arcadium) muestran el momento en el que su Funk se estilizo y quizá ‘Popeo’ un poco pero hizo buen papel, es así como llegamos al 2011, año en el que los Red Hot Chili Peppers deciden comenzar su 4to reinado en el Rock Alternativo, no me van a negar que se trata de una banda que ya tiene bien ganado su lugar en el estante de leyendas.

Este disco intenta algo diferente, regresan al Funk que tanto se veía influenciado por músicos como James Brown o Sly and The Family Stone, sin embargo con una propuesta un poco diferente, un nuevo guitarrista que no sabe tocar buenos solos, sin embargo que da oportunidad a buenos jams y a demostrar las cualidades de los otros 3 músicos, metámonos al inicio de esta nueva generación…

Un inicio que viene a recordarnos por que amamos tanto a esta banda: “Monarchy of Roses” la singular técnica de Flea al bajo y la voz de Anthony se hacen notar y se mezclan en una licuadora con la distorsión de la guitarra, la importancia que tiene la batería queda impresa en “Factory of Faith” mientras John Klinghoffer trata de impresionar en la guitarra sin lograr mucho éxito, la necesidad de mostrar la habilidad en el terreno acústico llega con “Brendan’s Death Song” y su nostalgia 90tera que se entrevé gracias a la letra, lo mejor es la especie de jam que hay en la mitad de la canción.

“Ethiopia” es de esos temas clásicos de los Red Hot donde Flea se luje con el bajo desde el principio y sincroniza perfectamente con la guitarra, y la verdad es que esta vez Josh logra hipnotizarnos por un buen rato a pesar de ser un tema corto, “Annie Wants a Baby” cae un poco en la monotonía sin brindar nada nuevo pero dándonos un letra para reflexionar sobre el mundo actual, muy melódico y entretenido aun así, es en “Look Around” en donde se expresa esa simpatía Funk tan inmersa en la banda que tanto video como canción ya se han vuelto de mis favoritos del año 2011, viene “The Adventures of Rain Dance Maggie” para cerrar la primera mitad del disco, ese ritmo que tanto se nos pego todo el verano mientras oías a Chad Smith tocar su cencerro, la excelente melodía de esta canción y un pequeño riff de guitarra logran ponerla como la mejor del disco sin duda alguna.

Regresamos al Funk puro en “Did I Let You Know”, que logra tener pasajes de explosión donde Josh muestra la influencia de su maestro Frusciante, la trompeta es un elemento que rompe con esa monotonía brindándole un ritmo semi-caribeño, “Goodbye Hooray” tiene el defecto de no parecer un tema escrito por los Red Hot, sin embargo no por eso es un tema malo ya que tiene mucha intensidad y un solo de bajo bastante impresionante, “Happiness Loves Company” parece ser de esos temas en los que quieres marchar al ritmo del teclado aunque admitámoslo el teclado no le va muy bien a los Peppers aunque se agradece la referencia a Frank Zappa, “Police Station” es ese intento por hacer que la nostalgia toque nuestros corazones y nos olvidemos de que estamos tratando de escuchar un disco de una banda de Funk Rock.

Y la verdad es que el cierre no logra convencernos mucho ya que “Even You Brutus?” parece ser mas hip-hop que funk aunque si tomamos en cuenta que el Funk es el genero madre podemos decir que la banda reinventa este concepto de una manera muy peculiar, eso si batería, guitarra y bajo se encuentran siempre en su lugar, es así como “Meet Me On The Corner” suena tranquila, sobria y de cierto modo predecible, aunque no deja de ser buen tema, escuchemos “Dance, Dance, Dance” y olvidémonos de los puntos malos del disco, aquí hay Funk y del bueno, del que no se desperdicia, recordemos que los Red Hot Chili Peppers son una banda que todavía tiene mucho por dar y no es cuestión de que te gusten sus albums o no, se trata de reconocerlos como una banda que ha logrado impregnarse en la sociedad de maneras distintas, que ha madurado y que sigue viva pese a los obstáculos del pasado.